Arts et culture pour tous

2007-10-20T00:10:00.000+02:00

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T a b l e

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Suspension et continuité

2007-10-19T15:08:00.000+02:00

Les communications régulières initialement reliées avec le cours hebdomadaire sont suspendues pour une durée indéterminée pour cause de non reconduction du cours dans les structures actuelles à l'automne 2007 pour la saison 2007-2008.

Privés du support du cours, nous n'avons pas vocation à nous livrer uniquement à l'information ou aux commentaires sur l'actualité culturelle et artistique. Sans savoir ce que nous réserve l'avenir pour ce qui concerne le cours, ce petit site d'informations restera en ligne par respect pour toutes les personnes qui nous ont accordé leur confiance et parce qu'il peut encore constituer un outil de travail et une base de ressources avec l'ensemble des liens qu'il contient en page d'accueil.

Les vacances sont arrivées

2007-07-05T00:00:00.000+02:00

L'activité est naturellement suspendue durant la période des vacances d'été. Les vacances seront l'occasion de compléter les comptes rendus des cours manquants. Rendez-vous donc pour toutes et pour tous à la prochaine rentrée.

Et pour ceux qui y participent, la dernière sortie de l'année nous conduira en Arles avec le stage photo proposé par Nicolas Reboul. (pour le programme, voir le lien prochaine sortie sur la table en page d'accueil du site)

RV à la MJC de Lunel, le samedi 7 juillet 8 h 00

Les orientations de la politique culturelle, toujours

2007-05-25T07:00:00.000+02:00

Le nouvel éditorial d'André Rouillé, n° 195, daté du 24 mai 2007, sur la revue en ligne Paris-art.com : Dans une lettre ouverte à madame la ministre de la culture, il revient sur les effets des choix en matière de politique culturelle.

Lire l'éditorial

Lire également le précédent éditorial du 17 mai

Ministre de la culture

2007-05-22T07:01:00.000+02:00

La culture conserve son ministère. Le site La Tribune de l'art commente la nomination de Christine Albanel au ministère de la culture. Sur la nomination pressentie, et les rappels rapides du bilan de l'action du précédent ministre RDDV, on peut lire le premier billet du 8 mai 2007, dans lequel est également annoncé un bilan à venir des douze années Chirac. Puis la confirmation de la nomination dans le commentaire du 18 mai 2007.

Séance du vendredi 25 mai 2007 à Lunel

2007-05-22T06:59:00.000+02:00

Martial Raysse, Made in Japan, la grande odalisque, 1964,
Paris, Centre Pompidou, peinture acrylique, verre, mouche,
Photographie marouflée sur toile, 130 x 97 cm

Nouveau réalisme et Pop art,
Dada toujours présent

Dans la poursuite de notre parcours à travers les ruptures dont a été porteur le XXe siècle, nous continuerons de mettre en perspective divers mouvements dans leur aspect concomitant, dans leur filiation ou au contraire dans leur différence : Dada, surréalisme, nouveau réalisme, pop art :

"40° au dessus de Dada" ainsi définissait la singularité collective des nouveaux réalistes, le critique initiateur Pierre Restany, face au Pop Art d'outre-Atlantique soutenu économiquement par un réseau de galeristes et de collectionneurs.

Nous explorerons le chemin parcouru depuis les ruptures avec l'académisme, jusqu'à la transformation de la relation spectateur/objet de contemplation, des dérisions à la subvertion et aux provocations en passant par les détournements d'objets réels, aux visions paradoxales d'une société de produits prêts à consommer (décrier et proclamer !), aux objets mis en scène et aux développements des mythologies personnelles.

Annonce séance précédente

Lectures réflexives

2007-05-11T07:01:00.000+02:00

Le nouvel éditorial d'André Rouillé sur la revue en ligne Paris-art.com, une saine lecture, de nature à éclairer le débat sur la culture et sa place dans la pensée politique, quand on sait combien il est du devoir des responsables politiques de définir les orientations favorisant une expression artistique diversifiée ainsi que d'élaborer les programmes permettant l'accès de tous à la connaissance, ainsi que la plus large diffusion d'une culture vivante, fédératrice d'énergies et créatrice de lien social.

Lire l'éditorial du 10 mai 2007 : Pour un ministère de la pensée complexe,

Revoir l'éditorial précédent du 3 mai 2007 : Un réactionnaire décomplexé.

Séance du vendredi 18 mai à Lunel

2007-05-11T06:22:00.000+02:00

Nouveau réalisme et Pop-art

Attention : Le cours prévu le vendredi 11 mai est reporté compte tenu de la convocation des adhérents en assemblée générale, le même vendredi 11 mai à 18 h 30 à la MJC. A l'occasion de cette assemblée sera projeté un diaporama sur les activités.

Notre prochaine séance est par conséquent fixée au vendredi 18 mai au cours de laquelle nous poursuivrons l'exploration de l'oeuvre multiforme des nouveaux réalistes du XXè siècle que nous tenterons de mettre en parallèle avec les tenants du Pop-art d'outre-Atlantique.

César, Ricard, 1962

Compression dirigée d'automobile
153 x 73 x 65 cm

Relire le billet précédent sur le même thème

Vers réunion/sortie précédente

Séance du vendredi 4 mai à la biennale photo

2007-04-27T23:48:00.000+02:00

Comme prévu, nous nous retrouverons à Lunel-Viel pour la première biennale de la photographie en pays de Lunel.

Le vernissage a lieu à 18 h 30 dans le parc du chateau de l'hôtel de ville. Le parc est ouvert au public dès 14 h. Il est donc possible d'arriver plus tôt pour commencer par découvrir les expositions présentées, mais ne manquez pas le vernissage à 18 h 30. Et surtout, vous pourrez repartir avec le magnifique catalogue d'exposition et peut-être le numéro spécial de Fotocittà spécialement réalisé pour l'occasion. Prévoir une soirée plus longue qu'habituellement pour vous permettre de visionner les différentes projections proposées et de rencontrer les auteurs présents sur les lieux.

Yann de Fareins. Nature Morte.

Entièrement dédié à la Biennale, le parc de l’Orangerie accueillera la riche programmation de cette première édition qui a obtenu le soutien de la ville de Lunel-Viel et de la communauté de communes du pays de Lunel. Près d’une vingtaine d’expositions sont proposées au public durant ce festival qui réunit des artistes à découvrir et différents auteurs reconnus à travers leur production pour la presse ou l’édition. Leur dénominateur commun : avoir fait le choix de s’exprimer au sein de collectifs de photographes indépendants, structures légères offrant la meilleure logistique pour le partage des informations et fédérant les énergies permettant de répondre à des commandes institutionnelles, de soutenir la création et de diffuser leur production.

Arnaud Laroche. Seaside.
Dans l’un des plus anciens villages de la région, le vaste espace naturel du parc arboré abritant une orangerie de style Napoléon III a inspiré certains photographes qui y trouvent matière à différentes installations in situ parmi lesquelles le public pourra se laisser surprendre par un accrochage en liberté, tant dans les formats que dans les supports. Avec des œuvres qui révèlent les préoccupations actuelles de la photographie contemporaine, les auteurs témoignent de leur présence au monde, et évoquent leurs relations aux autres. Préoccupations environnementales, questions d’identités, regards critiques sur une réalité tantôt contrariée, tantôt sublimée, autant d’interrogations traversant une production qu’il serait illusoire de vouloir réduire à une seule catégorie (reportage, photographie documentaire, plasticienne, conceptuelle). Une pratique en tous cas qui échappe au conformisme et se trouve légitimée par son ancrage dans une réalité humaine ou sociale qu’elle ne cesse d’interroger. Une pratique photographique qui n’écarte toutefois pas les recherches formelles ni les problématiques artistiques liées à la place de la photographie au sein des arts plastiques : réel et réalité perçue, champ et hors champ, dedans et dehors, inclusion et exclusion, limites, frontière, etc.

Nanda Gonzague. Sévesie.

Avec la vingtaine d'expositions et les projections proposées lors de la soirée de vernissage, ce sont les travaux d'une trentaine d'artistes qui seront présentés au public offrant un large panorama de la création photographique actuelle.

Serge Gal. Mazet.
Dans une région bipolarisée autour de deux grandes manifestations : les Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, et le festival Visa pour l’image à Perpignan, on assiste depuis une dizaine d’année à l’émergence des collectifs d’artistes qui, au-delà de la diffusion de leurs créations, y voient le moyen de mieux inscrire leur pratique photographique dans la vie de la cité et d’être de véritables interlocuteurs ou partenaires des différents opérateurs culturels et décideurs locaux. C’est sans thématique ou sélection imposée, ni commissariat d’exposition, que les collectifs de photographes du Gard et de l’Hérault proposent de découvrir leurs travaux.

Les collectifs : Transit/Noir d’Ivoire/Les Photographes Anonymes/La Maison de la Photographie Méditerranée/Ferdinand F/En Vue/Clair Obscur.

Les photographes : Serge Gal, Nadine Béteille, Bruno Badoux, Christophe Schirmer, Thierry Clavel, Jean Marc Navech, Suzanne Klein, Jacques Fournier, Pierryl Peytavi, Denis Anceau, Mabel Zarama, Catherine Tauveron, Yann de Fareins, Arnaud Laroche, Christian Maccotta, Mariusz Sapinski, Peter Vass, Jacques Lafont, Philip Vagelli, Jean Paul Lejeune, Bernard Bouyé, Dominiq Peyronnier, Alexandra Frankewitz, Alexa Brunet, David Richard, Bastien Defives, Nanda Gonzague, Delphine Devillers, Chris Kaizer, Nicolas Reboul.

Accès : Depuis la RN 113, dans la traversée de Lunel-Viel, en arrivant de Montpellier, c'est à droite, en arrivant de Lunel, c'est à gauche, prendre la direction hôtel de ville. La tour du chateau est visible de loin.

Précédente proposition de sortie

Vers séance précédente

Prochaine sortie proposée

Actualités de la photographie

2007-04-23T21:45:00.000+02:00

Accueil / Home

_______ Juin 2007

Sur Photographie.com, la 7è édition des Boutographies, rencontres photographiques de Montpellier, en cliquant sur le lien suivant. Le site officiel des Boutographies, c'est ici. Pour découvrir l'affiche et le dossier de presse complet avec la programmation 2007, en Pdf 1657 Ko, c'est par là.

Vernissage itinérant
Samedi 2 juin à 11 h
Place Krasucki

_______ Mai 2007

Toutes les informations sur la Première biennale de la photographie en pays de Lunel, sur le site Actu_photo par le lien suivant.

Et pour découvrir les travaux présentés, c'est ici .

Vernissage et projections, vendredi 4 mai à 18 h 30

Parc de l'Orangerie Lunel-Viel

Cliquez ici pour en savoir plus

_______ Mars à juin 2007

Exposition
Clergue, Né photographe

pour voir et revoir 300 images de l'enfant du pays présentées sous quatre thématiques : les années de jeunesse et la rencontre avec Picasso en 1953 jusqu'aux années soixante et les Etats Unis, le travail sur le corps, la tauromachie, les processus nouveaux dans son oeuvre depuis 1981 : couleur, polaroid, surimpression.

Galerie Patrice Trigano Paris, © Lucien Clergue

Arles

Espace Van Gogh, Place Félix Rey
du 31 mars au 10 juin 2007,
tous les jours de 13 h à 19 h, nocturne le vendredi jusqu'à 22 h.

Le FRAC de retour à Lunel

2007-04-23T21:34:00.000+02:00

Du 5 mai au 24 juin 2007

Pour l'exposition d'une sélection d'oeuvres issues de ses collections. Un évènement important autour de l'art Contemporain à Lunel. Entrée libre et gratuite. Espace Louis Feuillade/Abric. Lunel.

Retrouvez la collection du Fonds Régional d'Art Contemporain Languedoc-Roussillon en ligne, en suivant ce lien. Retour par "fermer", puis flèche "page précédente".

Vers précédente information locale

Séance du vendredi 27 avril à Lunel

2007-04-23T21:30:00.000+02:00

L'aventure collective du nouveau réalisme

Nous poursuivrons l'exploration de la production d'Yves Klein, et aborderons l'aventure collective du nouveau réalisme. Il est utile en prélude ou en complément à notre séance de consulter les liens suivants :

L'exposition en cours,

Retrouvez également son annonce sur notre lien expositions
(La 4è en partant du haut)

Les dossiers du Centre Pompidou :

Yves Klein
Le nouveau réalisme
Voir aussi : Le site Yves Klein

Annonce séance précédente

Escapade en Arles

2007-04-22T23:55:00.000+02:00

L'atelier de photographie animé par Nicolas Reboul projette une sortie en Arles en juillet à l'occasion des Rencontres internationales de la photographie.

Il propose à l'atelier Arts et culture pour tous de se joindre à l'escapade. La date est fixée au samedi 7 juillet. Fraicheur de la jeune création contemporaine, mais aussi hommage à l'agence Magnum, sont au programme.

Naturellement, au delà des visites d'expositions et du frémissement particulier d'Arles en cette période, nous en profiterions pour admirer les riches décors sculptés du portail de l'église St Trophime sur la place de la République, et suivre ensuite les pas de Van Gogh, en allant prendre un verre au café jaune (place du forum), et déambuler dans l'hôtel-Dieu fondé au XVIe (aujourd'hui espace Van Gogh). Rappel, Vincent Van Gogh a séjourné en Arles entre février 1888 et mai 1889, séjour pendant lequel il a réalisé environ 300 dessins et peintures, dont les tournesols, la nuit étoilée, le café la nuit.

Précédente proposition de sortie

Séance du vendredi 20 avril

2007-04-19T23:58:00.000+02:00

Yves Klein, immatériel et spirituel

Vue sur l'exposition du Centre Pompidou
Salle 13. Incarnation. Trilogie. 5 octobre 2006, 5 février 2007

Le bleu outremer de ses tableaux monochromes reste parmi les productions les plus connues d'Yves Klein, mais aussi l'utilisation de modèles, tels des pinceaux vivants pour ses anthropométries.

Toutefois, au delà de ses oeuvres emblématiques, développe-t-il de profondes interrogations sur l'art en proposant des oeuvres éphémères, et rédigeant des manifestes où il se revendique d'une posture artistique singulière, et apparait comme nourrit à la fois d'une quête de l’immatériel et d'une recherche spirituelle. Ses peintures ne seraient pour lui que la partie visible de sa recherche, que les cendres de son art, un art qu'il faut appréhender bien au-delà de la forme sous laquelle il se présente.

Annonce séance précédente

Conférence sur Claude Viallat

2007-03-31T06:45:00.000+02:00

Pierre Wat, professeur d'histoire de l'art à l'Université d'Aix-Marseille, donnera une conférence sur Claude Viallat à partir de son essai "Claude Viallat" aux éditions Hazan, à l'Auditorium du musée Fabre, 39, bd Bonne Nouvelle. Montpellier (Esplanade). Entrée Libre

le mercredi 4 avril 2007
à 18 h 30

La conférence sera accompagnée d’un diaporama avec un choix d’oeuvres du peintre. Claude Viallat est actuellement exposé (jusqu'au 21 avril) à la Galerie Nadine Trintignan à Montpellier, rue st Gilhem, (nous l'avions annoncé à la rubrique vernissages du site, c'est le 4è de la liste, accès aux infos complètes sur le site de la galerie Hélène Trintignan)

Claude Viallat nait à Nîmes en 1936. Il fréquente l’Ecole des Beaux-Arts de Montpellier de 1955 à 1959, puis l’Ecole des Beaux-Arts de Paris en 1962-63. Membre fondateur du groupe support/surfaces, il s'engage dans la critique du support traditionnel en adoptant à partir de 1966 une posture radicale et peignant sur la toile libérée du chassis, la répétition d'un motif selon un procédé à base d’empreintes.

Séance du vendredi 30 mars 2007

2007-03-24T23:54:00.000+01:00

Extra ball !

Same player, shoot again !

Annonce séance précédente

Nos amis exposent

2007-03-23T00:13:00.000+01:00

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mardi 27 mars 2007
à partir de 19 h 00
à l'espace Louis Feuillade/Abric à Lunel

pour
Eh ! (Expo Hebdo !)

peintures et photographies

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avec la participation de l’association 24 x 36. Exposition du 27 mars au 1er avril - entrée libre et gratuite. Le vernissage est naturellement l'occasion de rencontrer les auteurs.

Séance du vendredi 23 mars

2007-03-22T23:45:00.000+01:00

Piet Mondrian

Nous continuons l'étude des caractéristiques de la production des premiers peintres abstraits des débuts du XXe siècle qui exploreront les voies offertes par l'abandon du motif pour développer différentes recherches radicales fondées sur leurs conceptions théoriques et philosophiques.

".../.... Je sus alors expressément que les objets nuisaient à ma peinture ..."

Kandinski. Regards sur le passé. 1913.

Annonce séance précédente

Séance du vendredi 16 mars

2007-03-10T00:12:00.000+01:00

Vers l'abstraction

Frantisek Kupka
Disques de Newton. 1911-1912.
Huile sur toile. 49 x 65 cm.
Musée National d'Art Moderne. Paris.

Nous avons observé l'émergence d'une forme d'abstraction chez Cézanne avec son travail sur la montagne sainte Victoire à la fin de sa vie. Quatre artistes développeront indépendemment leur propre formulation de l'abstraction dans la deuxième décennie du XXe siècle. Entre 1910 et 1917, Vassily Kandinsky, Frantisek Kupka, Piet Mondrian, et Kasimir Malévitch, tous quatre nourris de préoccupations spirituelles seront les inventeurs simultanés de l'abstraction et élaborerons une peinture en adéquation avec leur conception du monde mais également avec l'évolution culturelle et scientifique de leur époque. "L'art est enfant de son temps" écrira Kandinsky l’un des principaux théoriciens de l'abstraction. La musique, mais également les découvertes dans le domaine de la physique, la théorie de la relativité, les travaux sur la perception vont influencer la production artistique et l'évolution de l'art du XXe sciècle. Ce contexte nourrira les différentes inflexions de l'art abstrait, tantôt lyrique, géométrique ou suprématiste.

Lire le dossier pédagogique du Centre Pompidou

Annonce séance précédente

Le passé réinventé de l'art roman

2007-03-03T21:20:00.000+01:00

Xavier Barral i Altet donnera une conférence à partir de son essai "Contre l'art roman ?" à l'auditorium du musée Fabre,

le jeudi 8 mars 2007
à 18 h 30.

Pour une vision du Moyen Age plus proche de la vie quotidienne, une exploration du contexte dans lequel s'est exprimé l'art roman. Avec la participation de Géraldine Mallet, maître de conférences en histoire de l'art médiéval à l'Université Paul Valéry.

A lire,

2007-03-03T21:17:00.000+01:00

sur la revue en ligne Paris-art.com, les analyses d'André Rouillé, dans son éditorial du 1er mars 2007, sur la pauvreté de la réflexion des politiques en ce qui concerne la place de la culture.

Lire l'article.
Revoir son édito du 18 janvier sur le même sujet.

Culture marchandisée

2007-03-03T21:16:00.000+01:00

A lire sur le site La Tribune de l'Art, le nouvel éditorial revenant sur l'accord en cours de signature, et par lequel le ministre de la Culture engage la France pour plusieurs années dans la location longue durée de ses oeuvres majeures du Louvre et de ses autres musées nationaux.

Lire l'éditorial.
Revoir le précédent billet sur ce dossier.

Séance du vendredi 9 mars

2007-03-03T21:15:00.000+01:00

Vers la géométrisation des formes

L'importance de Paul Cézanne pour le développement de l'art moderne est unanimement reconnue même si son parcours fut lent et mal compris par son entourage. Un long et intense travail solitaire le conduisit à révolutionner la structuration de l'espace, la construction des paysages, des personnages et des objets. Géométrisation des formes, traitement des volumes et de l’espace auront des effets déterminants sur l'évolution de l'art du XXè siècle. L'évolution sera particulièrement sensible dans les recherches de l'avant-garde parisienne du début du XXe siècle et notamment à travers le cubisme (Pablo Picasso et Georges Braque) dont nous continuerons à explorer la production en prolongement de la séance précédente.

Pablo Picasso. Buste de femme. (Étude pour les Demoiselles d’Avignon). 1907. Huile sur toile. 66 x 59 cm. Musée National d'Art Moderne. Paris. © Picasso Administration

Annonce séance précédente

La nouvelle vocation du Pavillon populaire

2007-02-27T19:30:00.000+01:00

Après le musée Fabre rénové, c’est un nouveau lieu dédié à la culture qui s’ouvre à Montpellier. Construit à la fin du XIXe siècle sur le Champ de Mars (aujourd’hui esplanade Charles De Gaulle), le Pavillon du musée Fabre avait accueilli les expositions temporaires pendant les quatre années de travaux de rénovation du musée. Mis à la disposition de la Communauté d’Agglomération par la ville de Montpellier, il reprend aujourd’hui son nom d’origine, le Pavillon populaire et devient un nouvel espace entièrement dédié à la photographie. L’inauguration du Pavillon populaire aura lieu ce

mercredi 28 février
à partir de 18 h 30

par la présentation d’une exposition exceptionnelle autour de Charlie Chaplin.

« Charlie Chaplin et les images » est la première exposition de cette importance réalisée à partir des archives familiales. Riche de plus de 300 documents, elle retrace la vie de réalisateur et de comédien de celui qui fut la première vedette internationale des temps modernes, en même temps qu’artiste mondialement reconnu pour l’universalité de son message d’égalité et de justice pour tous. Sous des aspects rarement dévoilés, l’exposition évoque les préoccupations de Charlie Chaplin autour de son image, de sa diffusion et de sa réception.

L’exposition développe quatre thématiques : "la création de Charlot", "Chaplin le cinéaste", "de la reconnaissance à l’exil" et "la parole de Chaplin, la mort de Charlot".

Elle est constituée de différents supports dont les archives photographiques du studio Chaplin (250 photographies), l’album Keystone (photogrammes accompagnés de commentaires manuscrits), des extraits de films (making off, rushs, film des coulisses ou films familiaux), les albums de presse du studio Chaplin.

« Charlie Chaplin et les images »
Pavillon Populaire de la Ville de Montpellier. Esplanade Charles de Gaulle
du 28 février au 29 avril 2007, Du mardi au dimanche de 11h à 19h
Entrée libre. Tél. : 04 67 66 13 46

Visite commentée

2007-02-27T13:56:00.000+01:00

Emmanuel Latreille, directeur du Frac Languedoc Roussillon propose une visite commentée de l'exposition,

Voyage intérieur
le samedi 3 mars à 17 heures
(entrée libre).

Œuvres de la collection de Belkacem Boudjellouli, Denis Castellas, Annika von Hausswolff, Zilvinas Kempinas, Eva Marisaldi, Joao Penalva, Denis Roche.

Fonds régional d'art contemporain Languedoc-Roussillon
4 rue Rambaud 34000 Montpellier

Exposition ouverte jusqu'au 31 mars, du mardi au samedi, de 14 à 18 heures. Renseignements : 04 99 74 20 35 ou fraclr@fraclr.org. Le Frac Languedoc-Roussillon reçoit le soutien du Ministère de la Culture (Drac Languedoc-Roussillon) et du Conseil régional Languedoc-Roussillon.

www.fraclr.org

Sortie de mars

2007-02-17T02:12:00.000+01:00

Les inscriptions sont ouvertes à l'accueil de la MJC de Lunel pour la sortie familiale du samedi 10 mars à Marseille avec visite du musée d'art contemporain. Entrée à tarif réduit de groupe. Participation aux frais de transport en autocar.

voir notre précédent message

Réouverture du musée Fabre de Montpellier

2007-02-16T14:48:00.000+01:00

Précédente information sur le musée Fabre

Façade du musée Fabre rénové
Photo service de presse MF

Quatre années de travaux (depuis mars 2003) auront été nécessaires avant d'offrir au public le nouvel accrochage du musée Fabre rénové, avec des espaces recréés, des volumes retrouvés et une mise en lumière étudiée : les oeuvres gigantesques de Soulages dans une mise en scène théatrale avec la verrière texturée de la première salle aux dimensions de cathédrale, les oeuvres monumentales de la grande galerie des colonnes, la restauration de plus de 600 peintures et sculptures parmi les 800 oeuvres présentées sur 9200 m2 leur faisant gagner en clarté et en couleurs (voir, Le Bord de mer à Palavas de Courbet), l'accès facilité aux visiteurs handicapés, et des choix architecturaux ayant permis à la fois de dégager des espaces nouveaux tout en conservant et en valorisant les bâtiments et notamment la sobre façade de l'ancien collège des jésuites (Brochet, Lajus et Pueyo, architectes à Bordeaux, Nebout, architecte à Montpellier), autant d'éléments qui permettent de profiter pleinement de la richesse des collections d'un établissement de premier ordre, sans doute la toute première collection publique de France. Le musée comprend également une salle de documentation, et un auditorium. L'ouverture d'un restaurant est annoncée en avril.

Avec La portée, oeuvre de Daniel Buren alternant lignes de granit et de marbre et soulignant la façade de pierres claires en accompagnant le visiteur jusque dans l'entrée, avec un accueil permettant une circulation selon huit parcours thématiques et didactiques sur fond gris minéral et neutre généralement retenu pour les espaces d'accrochage, puis les tonalités plus chaleureuses des murs rouges pompéien, avec la lumière zénitale de la salle aux frises des Griffons réservée aux tableaux français et italiens du XVIIe siècle, et les lumières atténuées (50 lux) pour les cabinets de dessins italiens et français de la Renaissance au XXe siècle, dont Delacroix, Matisse, Millet, avec les boiseries restaurées des hauts plafonds, les espaces de repos, les salles équipées de video, l'espace multimédia, les voisinages d'oeuvres pertinents, la clarté des informations sur les cartels, les nombreuses fiches de salle mises à disposition en français et en anglais, un dépliant de poche de 12 pages "Repérages" et des bornes numérotées facilitant l'identification des lieux, ce sont autant d'attentions qui fournissent un écrin des plus cohérents aux tableaux de Frédéric Bazille (quatre nouvelles acquisitions) et de Gustave Courbet, aux toiles du donnateur François-Xavier Fabre et à sa collection avec Girodet, Poussin, Raphaël, Rubens, ainsi qu'à la donation d'Antoine Valedeau avec les écoles du Nord mais aussi les écoles françaises et étrangères avec Bourdon, Greuze, Reynolds.

Les circuits se succèdent depuis les collections flamandes et hollandaises des XVIIe et XVIIIe (La Nature morte de fruits et de fruits de mer de Cornelis de Hemm, une huile sur cuivre de Jan Van Huysum, Nature morte aux fruits, et la petite et rare Enfileuse de perles de Frans Van Mieris). Suivent les peintures et sculptures européennes du XIVe au XVIIIe (La descente de croix, oeuvre majeure de 1537 de Kempeneer), les œuvres italiennes et françaises du Grand siècle, le XVIIe avec Bourdon, Blanchard, Poussin, Stella, le XVIIIe avec David, Greuze, Raoux, Stella, la riche collection Bruyas pour le XIXe avec Bazille, Cabanel, Courbet, Corot, Delacroix, Millet, et Théodore Rousseau. Les oeuvres pointillistes post-impressionnistes dans une section thématique dédiée à la modernité (1850-1914) précèdent les espaces consacrés à l'art moderne qui valorisent la période de 1905 à 1920 autour du travail sur la couleur dans les oeuvres de Roger Bissière, Robert Delaunay, Jean Hugo, Nicolas de Staël, Suzanne Valadon, Kees Van Dongen ou Vieira da Silva. On retrouve les pièces du groupe supports-surfaces dans les espaces clairs de la section art contemporain. Enfin, la sculpture n'est pas en reste avec des collections depuis les périodes classique à contemporaine avec Canova, Houdon, Pajou, et la salle consacrée à Germaine Richier.

A l'occasion de la réouverture, la RMN a édité un Guide du Musée Fabre. 232 pages, 217 œuvres commentées, 230 illustrations en couleurs, 15,5 x 23 cm, broché, prix public 15 €. Ouvrage collectif : Sylvain Amic, Jérôme Farigoule, Olivier Zéder, sous la direction de Michel Hilaire. Le guide est disponible sur place à la librairie-boutique Sauramps musée. Boutique ouverte en nocturne le mercredi jusqu'à 22 h.

A noter également les numéros hors-série sur la réouverture du musée édités par différents périodiques : La Gazette de Montpellier n° 973 du 9 février, 62 pages, 1€, Dossier de l'Art n° 137, janvier 2007, 96 pages, 9 €, Connaissance des Arts, H. S. n° 308, 67 pages, 9 € ou encore, les six pages utiles dans le numéro 589, mars 2007 du magazine L'oeil, 4,90 €, pages 82 à 87 sous le titre 7 clefs pour comprendre le musée Fabre.

Le musée rénové sur le site de Montpellier-Agglomération.

et sur le site de Cityvox.

Horaires d’ouverture du musée : Mardi, jeudi, vendredi et dimanche de 10h à 18h, mercredi de 13h à 21h, samedi de 11h à 18h, fermé tous les lundis et jours fériés, Tarifs d’entrée : Collections permanentes, plein tarif, 6 euros, pass’agglo, 5 euros, réduit, 4 euros. Adresse, entrée du public, 39 boulevard Bonne Nouvelle 34000 Montpellier (Esplanade). Tel. 0 4 67 14 83 00.

Télécharger le dossier de presse de la rééouverture.

Vernissages

2007-02-11T16:15:00.000+01:00

Qui ?

Quoi ? Comment ?

Où ?

Quand ?

Belkacem Boudjellouli, Denis Castellas, Annika von Hausswolff, Zilvinas Kempinas, Eva Marisaldi, Joao Penalva, Denis Roche

Dessins, peintures, video, photo
Oeuvres de la collection FRAC LR

Voyage intérieur

Expo du 23 février au 31 mars
www.fraclr.org

Montpellier
Fonds Régional d'Art Contemporain
FRAC, 4 rue Rambaud
04 99 74 20 35

Vend 16 février 2007

18 h

José Salès Albella

Laps clair
Premier volet
13 toiles monumentales inspirées à la fois par le lieu et VélasquezExpo du 23 février au 18 mars
mar à dim 11 h 18 h
www.leschantiersboitenoire.com

Montpellier
Carré Sainte Anne
1 rue Philippy
place Ste Anne

jeu 22 fév 2007

18 h

Rémi Dall'Aglio

Nouvelles des étoiles
Sculptures et installations

http://www.remidallaglio.com

Expo du 2 au 31 mars
mar à sam 15 h 1 h
www.etcgalerie.com

Montpellier
Etc. galerie
18 rue de la Valfère
0 467 562 543

vend 2 mars 2007

19 h

Claude Viallat

Expo du 15 mars au 21 avril
mar à sam
www.galerietrintignan.com

Montpellier
Galerie Hélène Trintignan
21 rue St Guilhem
0 467 605 718

jeu 15 mars 2007

18 h

Yann Serandour

Pendant l’exposition l’hôtel vide affichera complet.

Expo du 16 mars au 28 avril
mer à sam 15 à 18.30 www.vasistas.org

Montpellier
Vasitas galerie
37 avenue Bouisson Bertrand
0 467 524 737

jeu 15 mars 2007

18 h 30

José Salès Albella

Chantier clair
Deuxième volet

Expo du 14 mars au 7 avril
mer à sam 15 h 30 à 19 h
www.leschantiersboitenoire.com

Montpellier
Galerie Boîte Noire
1 rue de la Carbonnerie
0 467 662 587

Vend 16 mars 2007

18 h

Harald Fernagu

Eldorado
Expo du 17 mars au 28 avril
mar et jeu à sam 15 h à 18 h

Montpellier
Iconoscope
25 rue Courreau
0 467 630 384

Vend 16 mars 2007

18 h 30

Fabien Boitard

Expo du 23 mars au 5 mai
mar à sam 11 à 13 h, 15 à 19 h

Montpellier
GM Galerie
8 rue du cheval vert
0 499 060 794

Jeu 22 mars 2007

18 h 30

Gumm
Expo du 5 avril au 5 mai
mar à sam 15 h 1 h
www.etcgalerie.com

Montpellier
Etc. galerie
18 rue de la Valfère
0 467 562 543

Jeu 5 avril 2007

19 h

André Cervera

Expo du 19 avril au 31 mai
mar à sam 10.30 à 12.30
14.30 à 19 h
www.galerie hambursinboisante.com

Montpellier
Galerie Hambursin Boisanté
15 bd du jeu de paume
0 467 844 317

Jeu 19 avril 2007

18 h

Pascal Ravel

Expo du 20 avril au 26 mai
mer à sam 15 à 19 h www.galeriealma.com

Montpellier
Galerie AL/MA
35 rue de la Valfère
0 467 604 803

ven 20 avril 2007

18 h

Jetlag
Expo du 21 avril au 5 mai
mar à sam 14 h à 18 h
http://aperto.free.fr

Montpellier
Galerie Aperto
1 rue Etienne Cardaire
0 633 920 518

ven 20 avril 2007

18 h 30

Alice
revue video

Art video Spécial Berlin
15 h 30 à 19 h
www.leschantiersboitenoire.com

Montpellier
Galerie Boîte Noire
1 rue de la Carbonnerie
0 467 662 587

19-20-21 avril 2007

Lucien Pelen

Expo du 27 avril au 9 juin
mer à sam 15 h 30 à 19 h
www.leschantiersboitenoire.com

Montpellier
Galerie Boîte Noire
1 rue de la Carbonnerie
0 467 662 587

Jeu 26 avril 2007

18 h

Olivier Debré

Expo du 3 mai au 14 juin
mar à sam
www.galerietrintignan.com

Montpellier
Galerie Hélène Trintignan
21 rue St Guilhem
0 467 605 718

Jeu 3 mai 2007

18h

Collectifs
pour l'image

Biennale
de la photographie

Photographies
et installations in situ

Les collectifs de photographes indépendants du Gard et de l'Hérault exposent en liberté

du 1 au 15 mai

Lunel-Viel
(Hérault)

Parc de l'Orangerie
Mairie

Vend 4 mai 2007
18 h 30

Pierre Bendine Boucar

Expo du 11 mai au 30 juin
mar à sam 11 à 13 h
15 à 19 h

Montpellier
GM Galerie
8 rue du cheval vert
0 499 060 794

Jeu 10 mai 2007

18 h 30

Zoé Figeac

Expo du 16 mai au 16 juin
www.etcgalerie.com

Montpellier
Etc. galerie
18 rue de la Valfère
0 467 562 543

Mer 16 mai 2007

19 h

Carte blanche à David G. Torres

Expo du 25 mai au 14 juillet
mar et jeu à sam 15 h à 18 h

Montpellier
Iconoscope
25 rue Courreau
0 467 630 384

Jeu 24 mai 2007

18 h 30

Sylvie Réno

Expo du 26 mai au 9 juin
mar à sam 14 h 18 h
http://aperto.free.fr

Montpellier
Galerie Aperto
1 rue Etienne Cardaire
0 633 920 518

Ven 25 mai 2007

18 h 30

Patrick Saytour

Expo du 31 mai au 4 août
mer à sam 15 à 18.30
www.vasistas.org
Un autre ancien de l'éphémère groupe supports-surfaces
créé en 1969 avec Viallat et Dezeuze.

Montpellier
Vasitas galerie
37 avenue Bouisson Bertrand
0 467 524 737

Jeu 31 mai 2007

18 h 30

Marciek Stepinski

Expo du 1 juin au 7 juillet
mer à sam 15 h à 19 h
www.galeriealma.com

Montpellier
Galerie AL/MA
35 rue de la Valfère
0 467 604 803

Ven 1 juin 2007

18 h 30

Patrick Saytour

Expo du 16 juin au 31 juillet
mer à sam 15 h 30 à 19 h
www.leschantiersboitenoire.com

Montpellier
Galerie Boîte Noire
1 rue de la Carbonnerie
0 467 662 587

Ven 15 juin 2007

18 h

Adrien Revel, Baptiste Genoyer, Pauline Rosso, Marie-luce Nadal, Fanny Chaîne, Nicolas Atlé, David Bayle, Jean Garcin, Emilien Sintnikof

Start XXI
Work in progress 2
architecture, écriture, graphisme, peinture, photographie, vidéo,
www.etcgalerie.com

Montpellier
Etc. galerie
18 rue de la Valfère
0 467 562 543

Sam 30 juin 2007

21 h 21 start

Séance du vendredi 2 mars

2007-02-11T08:49:00.000+01:00

Pablo Picasso. Les demoiselles d'Avignon,
1906 - 1907, huile sur toile, 244 x 234 cm,
Museum of Modern Art, New York.

Poursuivant l'étude des profonds bouleversements apportés par le XXe siècle, après avoir observé l'explosion de la couleur chez Henri Matisse (1869-1954) avec les fauves à partir de 1905 et rapidement visité les cauchemars nés de la brutalité du monde avec notamment la peinture expressionniste de l'allemand Otto Dix (1891-1969), nous verrons les autres choix radicaux apparus au XXe siècle et concernant cette fois la structure et la composition de l'espace de la toile avec les cubistes et Pablo Picasso (1881-1973).

Empruntant à Paul Cézanne (1839-1906) sa vision géométrique du monde, Pablo Picasso et Georges Braque (1882-1963) rompent avec l'observation depuis un point fixe pour tenter de représenter un monde vu sous plusieurs angles simultanément. (Cubisme 1907-1920). Dans le même temps, les peintres futuristes cherchent à figurer le mouvement des objets à l'image d'un monde qui évolue. Ils exaltent la civilisation urbaine, la machine, la vitesse. (Futurisme, première période 1909-1916). Si le futurisme montre le déplacement des objets et l'instabilité des choses, le cubisme peut être considéré comme une représentation du temps nécessaire à la vision globale d'un objet sous toutes ses faces.

Annonce séance précédente

Expositions

2007-02-11T07:25:00.000+01:00

Vers Archives expositions

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Retrouvez l'actualité des expositions du réseau des galeries d'art contemporain de Montpellier à partir du lien "Vernissages" accessible également depuis la page d'accueil.

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Voir le site web de l'auteur.
Daniel Dezeuze. Jusqu'au 24 février à la galerie Hambursin-Boisanté, 15, Bd du jeu de Paume à Montpellier. Tél : 04 67 84 43 17. Du mardi au samedi, de 10h30 à 12h30 et de 14h30 à 19h.

Les travaux sur divers matériaux du membre fondateur du groupe support-surfaces des années soixante dix (1969-1972). Des oeuvres de Daniel Dezeuze sont également visibles dans la collection permanente du musée Fabre de Montpellier dans la section du XXe siècle. En 1969, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Patrick Saytour et Claude Viallat déclarent :

« L'objet de la peinture, c'est la peinture elle-même et les tableaux exposés ne se rapportent qu'à eux-mêmes. Ils ne font point appel à un « ailleurs » (la personnalité de l'artiste, sa biographie, l'histoire de l'art, par exemple). Ils n'offrent point d'échappatoire, car la surface, par les ruptures de formes et de couleurs qui y sont opérées, interdit les projections mentales ou les divagations oniriques du spectateur. La peinture est un fait en soi et c'est sur son terrain que l'on doit poser les problèmes. Il ne s'agit ni d'un retour aux sources, ni de la recherche d'une pureté originelle, mais de la simple mise à nu des éléments picturaux qui constituent le fait pictural. D'où la neutralité des œuvres présentées, leur absence de lyrisme et de profondeur expressive. »

Claude Viallat résumait ainsi leurs orientations : « Dezeuze peignait des châssis sans toile, moi je peignais des toiles sans châssis et Saytour l'image du châssis sur la toile. » Lire la suite sur Wikipedia.

Autre expo.

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Nanda Gonzague. Vivre en Sévézie. Jusqu'au 8 mars à l'Espace Transit, 3 rue Ranchin à Montpellier. 0 467 608 581. Photographies Noir et Blanc.

L'esthétique paradoxale des sites industriels. L'emploi au risque de la santé au pays imaginaire, la "Sévésie", sur une question dramatiquement actuelle, celle du risque technologique majeur devenu le quotidien d'une humanité qui ne saurait oublier Feysin (France) 1966, Seveso (Italie) 1976, Mexico (Mexique) 1984, Bhopal (Inde) 1984, Protex (France) 1987, La Mède (France) 1992, AZF Toulouse (France) 2001, alors qu'en France près de 500 000 personnes vivraient dans la proximité des 1150 sites classés en zone d'alerte placée sous la directive Seveso II. Un regard acide pour des images d'une glaciale crudité documentaire réalisées en Croatie, en République Tchèque, et en France, de Sète à Frontignan ou Port la Nouvelle, de Martigues à Fos-sur-mer, dans l'environnement humain des zones classées à risques, à travers silos, dépôts d'hydrocarbures, citernes de gaz liquéfié, usines pétro-chimiques et installations sidérurgiques.

L'exposition a été financée au moyen d'une bourse à la création. Elle a malheureusement dû être limitée aux images réalisées sur les sites de France. Un soutien à la production est recherché pour présenter la partie concernant la Croatie et la République Tchèque.

Vivre en Sévésie... là où la promesse d'activité se monnaye contre l'acceptation d'un risque réel, là où l'imaginaire cristallise les attentes liées à l'emploi et sublime la pourtant cruelle réalité d'un monde inhospitalier.

En savoir plus.
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La couleur toujours recommencée.
Hommage à Jean Fournier, marchand d'art à Paris. Jusqu'au 6 mai 2007. Exposition inaugurale du musée Fabre de Montpellier. 39, boulevard Bonne Nouvelle. (Esplanade). Arrêts Tram lignes 1 et 2. Comédie et Corum.

La peinture abstraite en France dans la seconde moitié du XXe siècle, à l'époque où se développent sur la scène artistique mondiale, l'art conceptuel, la photographie, la vidéo. Les nouvelles avant-gardes avec le groupe BMPT : Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier, Niele Torini et Supports/Surfaces avec notamment Claude Viallat et Pierre Buraglio.

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Le nouveau réalisme
Du 28 mars au 2 juillet 2007.
Galeries nationales du Grand Palais.
3 avenue du Général Eisenhower
75008 Paris. 01 44 13 17 17
Une nouvelle définition de l'art en 1960 à partir de l'objet comme matériau, va reprendre à son compte une pratique issue des premières années du XXe siècle. Autour du critique d'art Pierre Restany, huit artistes Yves Klein, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé sont les signataires de la déclaration constitutive du groupe. A eux se joindront César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle, Gérard Deschamps, Chisto.

Avec les dossiers pédagogiques du Centre Pompidou, en savoir plus.
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Post Patman
Michel Blazy. Jusqu'au 6 mai 2007.
Site de création contemporaine. Palais de Tokyo. 13 avenue du Président Wilson. 75116 Paris. 01 47 23 38 86. Réflexion sur la prolifération organique.

En savoir plus.
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L’Impressionnisme vu d’Amérique.
Du 9 juin 2007 au 9 septembre 2007. Musée Fabre de Montpellier en partenariat avec le musée de Grenoble dans le cadre du FRAME . Les collections des avant-gardes de la peinture française au XIXe siècle dans les musées des Etats Unis. 50 peintures et dessins impressionnistes de Caillebotte, Degas, Monet, Pissarro, Renoir.

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René Lalique, créateur d'exception 1890-1912.
Du 7 mars au 29 juillet 2007.
Musée du Luxembourg. 19 rue de Vaugirard 75006 Paris. Tél. 01 45 44 12 90. Célèbre maître verrier, René Lalique (1860-1945) a marqué de sa griffe l'art nouveau et l'art déco, en étant l'inventeur du bijou moderne.

Plus encore

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François-Xavier Fabre.
Peintre et collectionneur (1766-1837), Grand Prix de Rome de peinture en 1787 et élève de David. Du 6 octobre 2007 au 20 janvier 2008. Musée Fabre de Montpellier.

Infos en attente

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Van Gogh/Gaugin, une visite au musée Fabre.
2008. Musée Fabre de Montpellier.

Infos en attente

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Rétrospective Courbet à Montpellier.
Du 13 juin au 28 septembre 2008. Musée Fabre Montpellier. En partenariat avec le musée d'Orsay et le MOMA de New York.

Infos en attente

Nouvelles prises de positions sur les musées

2007-02-10T07:37:00.000+01:00

La crise entrainée par les contrats pluri-annuels à visées économiques et diplomatiques négociés avec la capitale fédérale des émirats du Golfe Persique et organisant la location durable d'oeuvres majeures du Louvre ne désenfle pas. La pétition initiée par le site La Tribune de l'Art a réuni 4200 signataires en date du 4 février, parmi lesquels plusieurs conservateurs des musées et de nombreux historiens de l'art. Le site a mis en ligne à la même date une motion votée par 39 conservateurs du musée du Louvre après une série d'explications le 16 janvier avec le ministre de la Culture, puis avec la directrice des musées de France, le jeudi 1er février.

Lire à ce sujet l'article publié par le journal Libération le 3 février

A la lumière du trouble causé dans le milieu professionnel, on peut redouter l'ampleur des dégâts que préparent les décisions des ministères en charge de ce dossier (Culture et Affaires étrangères notamment), quand on sait à quel devoir de réserve sont astreints sous peine de sanctions ces hauts fonctionnaires appartenant à un grand corps de la République formé à l'Institut National du Patrimoine.

On notera la mesure avec laquelle les conservateurs des musées sont conduits à poser les analyses relevant de leur champ de compétences de scientifiques et de professionnels spécialisés, une retenue qui laisse clairement apparaitre leur niveau d'inquiétude malgré la nécessaire déférence policée de leurs propos lorsqu'ils s'adressent à leur autorité de tutelle.

Lire la motion des 39 conservateurs du Louvre.

En ligne également à la même date, les prises de positions des organisations syndicales :

- CFDT Culture,
- CGT Culture,
- Sud Culture.

Enfin, c'est sous la signature du journaliste Edouard Launet, que Libération a publié samedi un article au sous-titre grinçant "une touche de classe dans un océan de luxe", prouvant une fois de plus, si cela était encore à prouver, combien l'humour est la politesse du désespoir :

Lire l'article "Un Louvre pour l'île du bonheur".

Sur les éléments négociés : Lire l'article de Nathalie Bensahel dans Libération du 5 octobre 2006.

Les autres articles de Libération :

- Mimétisme,
- Le Louvre des sables secoue les conservateurs,
- Les nouvelles têtes de l'Art,

Voir la page de la La Tribune de l'Art sur ce dossier.

Lire notre précédent billet sur le sujet.

N'oubliez pas

2007-02-02T17:33:00.000+01:00

C'est ce week-end la réouverture au public du musée Fabre de Montpellier après quatre années de travaux. A cette occasion, sont proposées deux journées de gratuité ce dimanche 4 février de 10 h à 18 h et lundi 5 février de 10 h à 16 h.

Puis les horaires et jours d'ouverture seront les mardi, jeudi, vendredi, dimanche de 10 h à 18 h, nocturne le mercredi de 13 h à 21 h, et le samedi de 11 h à 18 h. Gratuité tous les premiers dimanches du mois.

Une des toutes premières collections publiques françaises, avec ses peintures flamandes et hollandaises du XVIIe, ses cabinets de dessin, sa galerie des colonnes et les oeuvres du XVIIIe, les néo-classiques, l'art du XIXe avec Courbet bien sûr, Bazille et Cabanel, et le XXe avec support-surfaces, le contemporain et la magnifique salle accueillant la donation de la trentaine d'oeuvres de Pierre Soulages, et l'entrée de granit et de marbre réalisée par Daniel Buren.

En savoir plus,

Encore plus.

Débats musées (suite)

2007-01-31T07:00:00.000+01:00

Crédit-photo. Le Louvre. Aubert. Le Figaro.

Dans le très complexe dossier du projet du Louvre d'Abu Dhabi, le site La Tribune de l'Art présente une nouvelle page faisant le point des contributions sur la question, avec notamment, dans le journal Libération du 29 janvier, la réaction de Monsieur Michel Laclotte, président-directeur honoraire du musée du Louvre, et la motion votée à l'assemblée générale du 20 janvier du Comité Français d'Histoire de l'Art.

Accéder aux liens vers les différentes contributions.

Voir le précédent billet sur le débat musées.

Droit aux images (suite)

2007-01-30T07:11:00.000+01:00

La suite du débat avec un nouveau billet d'André Gunthert sur le site de l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Actualité de la recherche en histoire visuelle, après la tribune "Le droit aux images à l'ère de la publication électronique" reprise ou citée sur une centaine de sites et forums.

Le débat continue en rappelant le caractère libre de droit des reproductions des images du domaine public.

Illustration : Robert Demachy (1859-1936), Struggle. Camera work, photographie, janvier 1904, Paris, musée d'Orsay (reproduction RMN, statut : domaine public).

Lire l'info précédente.

Séance du vendredi 9 février

2007-01-28T13:37:00.000+01:00

Trypique Métropolis la grande ville.
Panneau central. 1927/28. Otto Dix.

Entrée dans le XXe siècle. Nous poursuivrons l'étude de la production marquante de l'Europe de l'entre deux guerres, entre années folles et émergence des idéologies totalitaires.

Attention, la séance est bien programmée le 9 février puisque le vendredi 2 février, c'est à la médiathèque de Mauguio que nous nous sommes donnés rendez-vous pour le vernissage de l'exposition de photographies de Nicolas Reboul. (lire message).

Annonce séance précédente

Vendredi prochain 2 février

2007-01-27T07:56:00.000+01:00

Photo Nicolas Reboul

Attention,

ce prochain vendredi 2 février, c'est à la médiathèque de Mauguio que nous nous sommes donnés rendez-vous à 18 h 30 pour le vernissage de l'exposition de photographies "Gardiens des eaux" de Nicolas Reboul.

Un travail nourri de préoccupations environnementales réalisé parmi les étendues sauvages des étangs de l'Hérault pour le Conservatoire de l'espace littoral à l'occasion des journées mondiales des zones humides. Un regard sur des écosystèmes singuliers, espaces naturels sensibles à préserver dans leur fragile équilibre entre terre et mer, entre marais et lagunes côtières. Des cultures aux pêcheries, autant d'activités humaines où se croisent les traditions ancestrales et les enjeux économiques contemporains. A l'occasion du vernissage un diaporama sera projeté.

En savoir plus sur Nicolas Reboul et l'atelier de Clair obscur.

Médiathèque Gaston Baissette, 106 Boulevard de la Liberté 34130 Mauguio
tél. 04 67 29 50 89

Annonce séance précédente

Précédente proposition de sortie

Un site de ressources

2007-01-24T17:12:00.000+01:00

pour l'enseignement, l'animation, ou la culture personnelle. Des pistes pédagogiques et de tous nouveaux liens sur le site des arts plastiques du centre départemental de documentation pédagogique de l'Hérault (CDDP), déjà cité en novembre, notamment en page d'accueil un lien vers un site sur la photographie numérique à l'école par un animateur TICE de l'Académie de Nancy-Metz. Très complet avec de nombreuses ressources, des fiches pédagogiques bien sûr et également des textes officiels, un état des lieux sur les droits associés aux images, un peu de technique et plusieurs liens vers divers sites, entre autres, bibliographie, logiciels gratuits, galeries, forums et banques d'images.

Accéder directement au site de la photo numérique à l'école

Aller sur le site des arts plastiques.

Voir le précédent billet sur ce site.

Droit aux images

2007-01-23T20:44:00.000+01:00

Le débat sur le droit aux images à l'ère numérique s'amplifie face à la marchandisation croissante du domaine des images.

Le durcissement des procédures légales de publication sur le Net, les conditions restrictives de leur utilisation, la hausse continue des droits de reproduction et le renforcement des contrôles ont conduit la revue Études photographiques à renoncer à son édition en ligne en juin dernier alors que plusieurs sites comportent de nombreux cadres vides avec la mention "publication non autorisée sur le web".

C'est sur la base de ces constats alarmants que le site La Tribune de l'Art a mis en ligne, ce 17 janvier 2007, un article de fond sur la question de l'évolution du droit d'utilisation des reproductions des oeuvres en ligne, une réflexion prenant en compte à la fois les pratiques et les aspects juridiques s'y rattachant, avec les analyses des éditeurs en ligne concernés, André Gunthert (Études photographiques), Didier Rykner (La Tribune de l'Art), Jean-Baptiste Soufron (Wikipedia), Giovanni Careri (Images Re-vues), Corinne Welger-Barboza (Observatoire critique).

Le droit aux images à l'ère de la publication électronique.
Lire l'article complet mis en ligne le 17 janvier.

Cet article est également publié sur le site de
l'École des Hautes Études en Sciences Sociales
Actualités de la recherche en histoire visuelle

Une contribution au débat qui vient s'ajouter à la réflexion lancée sur plusieurs sites évoquée dans un précédent billet de novembre,

"Une brève qui en dit long".

Une contribution nécessaire dans la situation actuelle de blocage et de confusion dont il apparait urgent de sortir, à l'instar de ce qui semble se dégager pour l'édition musicale, comme le fait observer Télérama n° 2976 du 24 janvier, p. 11, "Permis de copier" : les majors seraient sur le point de revenir sur leur politique de protection anticopie et d'abandonner la pratique des verrous DRM sur les CD et sur les titres téléchargeables, une vision ultrasécuritaire et à courte vue qui, après avoir donné lieu à nombre de conflits inutiles jusqu'aux débats houleux à l'Assemblée nationale, s'est révélée désastreuse pour l'industrie du disque à la fois sur le plan technique et économique, mais également vis à vis du grand public, en terme ... d'image.

Débat musées

2007-01-23T19:51:00.000+01:00

La pétition initiée par le site La Tribune de l'Art recueille plus de 3600 signatures, alors que la plupart des acteurs directement concernés (Conservateurs du Patrimoine et Assistants de conservation) sont tenus au devoir de réserve par leur statut.

Nouvelle contribution au débat en ligne sur le site La Tribune de l'Art avec la lettre ouverte de Jean-René Gaborit à Jack Lang après sa prise de position dans Libération du 6 janvier. Jean-René Gaborit est Conservateur général honoraire du Patrimoine, anciennement chargé du département des Sculptures du musée du Louvre.

Lire la lettre ouverte de Jean-René Gaborit à Jack Lang

Voir le précédent billet "Les musées sont-ils à vendre ?"

Séance du vendredi 26 janvier 2007 à Lunel

2007-01-20T14:34:00.000+01:00

Entre euphorie et désenchantement,

l'art des trente premières années du XXe siècle en Europe

Le Bonheur de vivre, Henri Matisse, 1905-1906,
h/t, 175 x 241 cm, Merion, Barnes Foudation.

Après les vibrations de la lumière apportées par les peintres impressionnistes à partir de 1874, avec la juxtaposition des pigments colorés sur la toile plutôt que mélangés sur la palette, puis les laborieuses expérimentations pointillistes d'un Georges Seurat (1859-1891) appliquant méthodiquement la théorie scientifique de la vision des couleurs, l'entrée dans le XXe siècle se fera dans une explosion de couleurs pures et libérée des contraintes de l'imitation fidèle de la nature, avec notamment Henri Matisse (1869-1954) qui exprimera un bonheur de vivre hérité de la période prospère et dépourvue d'inquiétudes de la fin du siècle précédent.

Les jardins à Chatou, M. de Vlaminck, v.1905,
h/t, 81,3 x 101,6 cm, Art Institute, Chicago.

André Derain (1880-1954) et Maurice de Vlaminck (1876-1958) rejettent les nuances des demi-teintes et demi-tons. Ils veulent exprimer la vigueur de l'expression picturale, le jaillissement de la couleur pure sortant du tube. Ensemble, ils créeront leur atelier qui constituera l'école de Chatou (Yvelines) de 1904 à 1907.

Le séchage des voiles, André Derain, 1905,
h/t, 82 x 101 cm, Musée Pouchkine, Moscou.

Vlaminck déclare : "Dans l'orchestre que je dirigeais, j'avais décidé pour me faire entendre de ne me servir que des cuivres, des cymbles, de la grosse-caisse, qui étaient en cette occurence les tubes de couleur. De même que j'aurais donné l'ordre aux musiciens de souffler à pleins poumons dans le saxophone, le piston et le trombone à coulisse, de même je faisais éclater les tubes de couleurs sur ma toile et n'employais que les vermillons, les chromes, les verts et les bleux de Prusse pour hurler ce que je voulais dire".


Pont de Charing cross	Derain	Le bassin de Londres
André Derain, 1906	Vlaminck, 1905	André Derain, 1906
h/t 81,2 x 100,3 cm	h/t 22 x 27 cm	h/t 99 x 66 cm
Washington Nat. Gallery	CP	Tate Gallery, Londres.

Intérieur à Collioure, Henri Matisse, 1905,
h/t, 59 x 72 cm, Suisse CP.

Avec Derain et parfois de Vlaminck, Matisse séjourne l'été 1905 à Collioure, petit port de pêche des Pyrénées orientales. Cette amitié marquera une profonde évolution de son oeuvre. En quête de la beauté idéale, Matisse peint ses premiers tableaux fauves dans le sud de la France. Matisse cherche à dégager de la toile un sentiment d'équilibre et d'harmonie, avec des personnages vivant leur joie dans un décor intemporel.

Luxe, calme et volupté, Henri Matisse, 1904,
h/t, 98 x 118 cm, musée d'Orsay, Paris

Dans une technique néo-impressionniste avec la recherche d'un effet de mosaïque aux petites touches colorées, pour une toile lumineuse rappelant les baigneuses de Cézanne, Matisse se laisse aller en 1904 à la tentation du divisionnisme. } in Robert Cumming, l'Art, Gründ éditions, Paris, 2006, Londres, 2005. Le divisionnisme. Années 1880. "désigne une manière de peindre selon laquelle les rendus des couleurs sont obtenus par effet d'optique : ainsi de petites touches de couleur pure sont-elles posées côte à côte sur la toile pour qu'à une certaine distance l'oeil ne les distingue plus comme des entités séparées mais les mélange pour en faire une autre couleur (mélange optique). Plus facile à dire qu'à faire. Seurat en fut l'instigateur mais il mourut jeune et c'est Signac qui prit la relève. Le pointillisme est du divisionnisme revu et corrigé par Seurat qui utilisait des petits points de couleur. "

Pastorale, Henri Matisse,1905,
h/t, 46 x 55 cm, musée d'arts moderne, Paris

Matisse ira vers plus de simplification en transformant l'espace en schéma décoratif dans des grands aplats de couleurs vives. Marquant ses surfaces colorées de forts contrastes, il utilise le cerne noir et rythme l'espace de lignes et d'ornementation pour ses principaux thèmes de la joie de vivre et de l'âge d'or.

La femme au chapeau, Henri Matisse,1905,
h/t, 81 x 65 cm, San francisco, Collection Hass

Matisse, Derain, De Vlaminck, Albert Marquet (1875-1947), Charles Camoin (1879-1965), Henri Manguin (1874-1949) exposent dans la même salle au salon d'automne de 1905. Parmi leurs peintures aux couleurs violentes "un pot de peinture jeté à la face du public" écrit Camille Mauclair (poète, critique et romancier), se trouvent deux bustes d'Albert Marquet, dans un style très traditionnel.

La desserte rouge, Henri Matisse,1908,

h/t, 180 x 200 cm, St Pétersbourg, musée de l'Ermitage

Le contraste avec les peintures aux couleurs violentes fera écrire au critique d’art Louis Vauxcelles : « Au centre de la salle, un torse d'enfant et un petit buste en marbre d'Albert Marquet, qui modèle avec une science délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l'orgie des tons purs : Donatello parmi les fauves ». Le fauvisme était né.

Nous verrons ensuite comment le siècle commencé dans l'expression de la joie de vivre, et la croyance en un progrès continu (manifeste du futurisme, 1909) se trouvera bouleversé par la guerre de 1914 qui sera un gigantesque traumatisme pour la génération des vingt-trente ans de l'époque.

De nombreux artistes, critiques d'art, intellectuels vont mourir à la guerre : Charles Péguy, Guillaume Appolinaire, Alain Fournier, Blaise Cendrars, sont autant de poètes et d'écrivains morts sur le front. Ceux qui échappent à la mort subissent un choc brutal tels les français Paul Eluard ou André Breton, ou les allemands Max Ernst ou Otto Dix.

Otto Dix (1891-1969) témoigne de l'âme inquiète et déchirée de l'Allemagne à travers une oeuvre caractérisée par une violence qui semble prolonger la tradition germanique des Cranach, Maître Francke et Matthias Grûnewald, auteur du retable de la crucifixion dit retable d'Issenheim. Otto Dix exprime le traumatisme de la guerre. Il réalise des tableaux collages qui montrent des "gueules cassés", des infirmes, des blessés de guerres, des mutilés.

Dans Rue de Prague, il peint des infirmes de retour de la grande guerre qui mendient mais conservent leur rang social. Dix montre le grotesque de la guerre et des préjugés.

Rue de Prague,1920,
huile et collage 100 x 80 cm,
Galerie der Staat, Stuttgart.

Pour des eaux fortes dont les premiers croquis ont été réalisés dans les tranchées, Otto Dix a recours à une esthétique inspirée des danses macabres et de l’esthétique gothique.

Schädel (Crâne), 1924,

eau-forte, 25,5 x 19,5 cm,
Historial de la Grande Guerre, Péronne.

Invalides de guerre jouant aux cartes,
1920, huile sur toile, 110 x 87 cm, Constanza, CP.

La guerre. Retable triptyque, 1929/32
Tempera sur bois 204 x204 cm et 204 x 102 cm latéraux
Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde.

Dans le triptyque La Guerre en 1932, il dénonce l’absurdité de la guerre. Ses images évoquent le traumatisme. Sur le traumatisme laissé par la guerre naitra le mouvement Dada fondé par Tristan Tzara (1896-1963). Si l'homme est capable d'une telle absurdité alors plus rien n'a d'importance et on peut se rire de tout. La dérision est l'arme de ce mouvement qui prône le pessimisme.

Après la première guerre mondiale, un puissant esprit de révolte anime les artistes. Ils revendiquent « plus jamais ça » et se mettent en recherches de solutions nouvelles. Naissent à cette époque les slogans comme « Halte à l’impérialisme politique » et « halte au libéralisme » ou encore « halte à la désunion des peuples ». On se revendique de l’idéologie internationaliste : le communisme qui apparait alors comme une alternative aux démocraties libérales, aux régimes autocratiques. Les artistes vont établir un lien très fort entre création artistique et engagement politique. Beaucoup d’entre eux s’investissent dans l’action, dans des mouvements ou des partis politiques. Ils conçoivent l’engagement comme un complément nécessaire à l’art pour transformer le monde établi.

Les engagements sont multiples, dans le communisme, mais aussi le fascisme auprès du Duce, Mussolini, qui représente à cette époque une idéologie de la modernité, une alternative au passé et à la tradition. Pour exemple, Marinetti, le père du futurisme, mouvement de la vitesse du progrès et de l’industrie. Des artistes vont aussi s’engager dans le Nazisme comme Albert Speer, l’architecte ou Heidegger, philosophe et grand théoricien du XXe siècle.

Après la désespérance de Dada, viendra l’espérance des surréalistes, entraînant la mise de l’art au service d’une cause politique et ses conséquences : la démystification de l’académisme, de l’œuvre d’art, de la création. Les surréalistes embrassent la cause communiste, ce sont eux qui dénonceront les premiers la guerre d’Espagne et le franquisme.

Le surréalisme met au point un programme d’action, des travaux communs pour éveiller les foules. C’est un mouvement violent et radical. Le manifeste du surréalisme est publié en 1924 par André Breton. Il définit l’orthodoxie du surréalisme. Leader très radical, il exclut du groupe en 1930 Aragon qui avait fait l’éloge de Staline alors que Breton soutenait Trotski.

Métropolis. La grande ville. Retable triptyque, 1927/28
Tempera sur bois 181 x 401 cm

Les années 20, ce sont les années folles. Une vision mythique des années 20 en retient surtout l’époque de la beauté et du plaisir. C’est le jazz, la revue nègre, les cabarets, Sydney Bechet, le strip-tease, le strass, les paillettes. Mais celà n'est qu'une façade. L'envers du décors, c'est la réalité cruelle et sordide d'une époque contre laquelle vont s'engager les artistes. Cette réalité, Otto Dix va la peintre en 1928 à travers un triptyque - Métropolis, la grande ville - opposant le luxe des riches bourgeois de la république de Weimar au milieu sordide des bordels. Dix nous rappelle qu’à cette époque le corps et la sexualité sont des valeurs marchandes dans un monde où tout s’achète. Les grandes villes sont des labyrinthes de plaisir mais aussi un enfer terrestre. C’est la nouvelle objectivité esthétique de l’Allemagne des années 20. On peint la réalité sociale de façon objective et détachée pour mettre en avant l’absurdité des grandes villes (Neue sleischlicshkeit). Au delà de l’art déco, les années 30 furent des années de doutes, de drame, de crise voyant la montée de tous les dangers en Europe.

Le mouvement surréaliste de l'entre deux-guerres fut exemplaire du lien entre une esthétique et une histoire. Mais les surréalistes vont connaître une profonde crise spirituelle. L’engagement pour la modernité va conduire à l’éclatement du groupe dès 1936. Les conflits internes sont nombreux dans la mesure où le mouvement surréaliste dénonce la guerre, mais aussi à cause de son aspiration à la révolution. Malgré de nombreuses sympathies pour le parti communiste, tous les surréalistes ne sont pas disposés à cet engagement et certains redoutent la propagande. Après plusieurs scissions et exclusions, les premiers adhérents au mouvement sont les premiers à se désengager de la cause communiste sauf Aragon et Eluard. La seconde guerre mondiale verra l'essouflement des surréalistes. Certains artistes finiront par ressentir comme inutile l’engagement artistique dans des causes politiques. Ils prônent le désengagement politique pour affirmer l’autonomie de la création qui passera par le rejet de la figuration et l’attachement au cubisme.

Annonce séance précédente

Décrochage

2007-01-20T08:05:00.000+01:00

L'association ”Les Artistes Nomades” et Galerie HD NICK invitent à un pot de décrochage de l'exposition

De Natura 1

Bendine Bultez Carrère Laborie Lancereau

ce Dimanche 21 janvier à partir de 16h
Voir galerie et accès

Voir la prochaine exposition

Anniversaire de l 'art

2007-01-17T07:20:00.000+01:00

24 heures pour célébrer l'art contemporain en France

A l'occasion du un million et quarante-quatrième anniversaire de l'art, le Frac Languedoc-Roussillon et l'Ecole supérieure des beaux-arts de Montpellier Agglomération invitent à l'ouverture de l'exposition LOST

cet après midi à partir de 15 h 30 et ce soir au FRAC

proposée par les étudiants de 3e année de l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier Agglomération (accompagnés par Pierre Joseph et Patrick Perry), une exposition évolutive appelée LOST orientée vers l'errance et la survie, le décor et la fiction.

Jusqu'au 3 févier 2007. Avec des oeuvres issues des réserves du musée Fabre et du Frac et des pièces créées pour l'évènement.

Ouverture jusqu'à 21 heures.
Fonds régional d'art contemporain Languedoc-Roussillon
4 rue Rambaud 34000 Montpellier.
Tél. 04 99 74 20 35

Ganaëlle : 06.63.71.87.21

Elizabeth : 06.03.05.66.05

http://esbama.free.fr

L'Ecole Supérieure des Beaux-Arts est un service de

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Ce projet est réalisé avec le soutien du Ministère de la Culture, Drac Languedoc-Roussillon, du Conseil régional Languedoc-Roussillon et de Montpellier Agglomération.

"Tout a commencé un 17 janvier, il y a un million d'années" déclarait en 1963, Robert Filliou, né le 17 janvier 1926 à Sauve (Gard). Le 17 janvier 1973, il fêtait à Aix-la-Chapelle le "Un million et dixième anniversaire de l'art". A l'initiative de l'association Platforme, le 17 janvier 2007, une quarantaine de structures d'art contemporain - Frac, Centres d'art, Ecole d'art et Musée d'art contemporain - répartis sur l'ensemble du territoire s'associent au "Un million et quarante-quatrième anniversaire de l'art" pour proposer une manifestation festive et décalée témoignant de la diversité de la création actuelle.

Cette manifestation prendra la forme d'un passage de relais artistique qui se fera symboliquement d'un lieu à l'autre par l'intermédiaire d'oeuvres éphémères, d'installations spécifiques, de performances, de lectures, de rencontres... Pensé sur 24 heures, cet événement artistique collégial permettra de donner, en dehors des grandes manifestations, une autre visibilité de la création contemporaine. Cette logique d'actions symboliques et invisibles dans leur ensemble offre une métaphore poétique du travail mené dans les structures et du temps nécessaire à la création et à la réception de l'art contemporain. Voir programme complet sur : www.anniversairedelart2007.fr

Des vidéos pour la classe

2007-01-14T14:27:00.000+01:00

Accessibles sur l'espace éducatif de France 5, des dossiers et sites thématiques, côté profs, des pistes pédagogiques avec Décod'Art, Yves Klein, et aussi Claude Monet, les extraits du documentaire Les Nymphéas, les vidéos : Le jardin d'eau à Giverny, les extraits pour la classe, des ressources Coté Elèves, 15 dossiers pédagogiques, des artistes racontés aux enfants, les productions multimédias, l'art à l'honneur pour l'éducation culturelle et artistique, un côté parents, et un magazine en ligne Décod'Art, à visiter sans modération.

Regards sur la ville

2007-01-14T14:26:00.000+01:00

Avec Eugène Atget.

Extrait de la lettre n° 141 du SCEREN-CNDP - Département arts et culture du 10 janvier Les Arts à l'école,

" À l'occasion de la grande exposition rétrospective qu'elle consacrera à partir du 20 mars 2007 au photographe Eugène Atget, sous la direction de Sylvie Aubenas et de Guillaume Le Gall, la Bibliothèque nationale de France invite les élèves, du CM1 à la Terminale, les étudiants, les jeunes en dehors des structures scolaires, à porter un regard sur la ville et à revisiter les thématiques d'Atget.

Les ministères de la Culture et de l'Éducation nationale, le Scérén- CNDP (Département Arts et culture), la Ligue de l'Enseignement, les Rencontres d'Arles, les Pôles de Ressources en Photographie, le musée Niepce, le Pavillon de l'Arsenal, la Maison du Geste et de l'Image, s'associent à cette opération, ainsi que des bibliothèques, des CAUE, des Espaces Culture Multimédias, des collectivités locales … "

S'inscrire, découvrir les ressources disponibles,
participer au projet.

Fiche d'information au format PDF.

Séance du vendredi 19 janvier 2007

2007-01-14T13:34:00.000+01:00

Umberto Boccioni.
La ville qui monte.
1910. MOMA New York.

Nous poursuivrons l'étude de la production du XXe siècle qui voit naître un ensemble de préoccupations plastiques nouvelles (en architecture par exemple), et au cours duquel la modernité va rejeter l'académisme :

On assiste à l'abandon de la vision classique, la peinture se détache de l'imitation de la nature, d'abord par l'explosion de la couleur et l'utilisation des couleurs pures avec les fauves (salon d'automne 1905, Matisse, Derain, De Vlaminck), la simplification et la fluidification des volumes (sculpture avec Brancusi), la dislocation de la forme et l'abandon de la composition illusionniste avec le cubisme (1907, Picasso, les demoiselles d'Avignon, mais également Braque jusqu'en 1914), l'exaltation de la vitesse et du mouvement avec les futuristes (1909).

L'art exprime la primauté de l'idée sur la forme. L'époque va donner lieu à de nombreux écrits sur l'art (Goethe et Matisse sur la couleur), des textes qui prendront parfois la forme de manifestes dont se revendiqueront des avant-gardes artistiques en Europe : Futurisme, Dada, Surréalisme. Une première période émerge directement de la fin du XIXe siècle avec les révolutions techniques et industrielles qu'il a connues.

La période est à la fois porteuse des promesses de l'essor industriel (futurisme) et des inquiétudes (expressionisme) devant la montée de tous les dangers en Europe liée au renforcement des inégalités sociales et aux incertitudes économiques et politiques qui aboutiront à la première guerre mondiale.

Mots-clés pour les séances à venir : art nouveau, fauvisme, cubisme, futurisme, expressionnisme, abstraction, avec entre autres, les oeuvres de Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Edvard Munch, Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner, Georges Braque, Juan Gris, Pablo Picasso, Fernand Léger, Giaccomo Balla, Umberto Boccioni, Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Wassily Kandinsky, Kasimir Malévitch, Piet Mondrian.

Annonce séance précédente

Les quatre saisons de l'art

2007-01-13T23:30:00.000+01:00

Vers précédente information locale

De Natura à la galerie Hélène & Didier NICK

Volet II

Les quatre saisons de l'art, proposent dans le cadre de l'exposition hiver 2006 - 2007 de poursuivre le vagabondage Regards croisés sur la nature des choses et des êtres,

à Aubais
Exposition du 27 janvier au 11 mars 2007

Cocktail de vernissage De Natura 2
Samedi 27 janvier 2007 à partir de 16h et en soirée,

cliquez sur les images, puis retour avec flèche page précédente

Claude Foênet

Odile De Frayssinet

Alexandre Hollan

Krochka

Annie Mahé-Gibert

Fabrice Rebeyrolle

et aussi les papiers des artistes de la galerie et les sculptures en extérieur.
Les Quatre Saisons de l'Art sont réalisées par l'association Les Artistes Nomades en partenariat avec la galerie HD NICK et la commune d'AUBAIS et bénéficient du soutien et du concours financier du DEPARTEMENT DU GARD et de la REGION LANGUEDOC ROUSSILLON.

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Séance du vendredi 12 janvier 2007 à Lunel

2007-01-12T02:49:00.000+01:00

Nous engagerons le module sur le XXe siècle et travaillerons pour cette première séance sur l'entrée dans le nouveau siècle de 1895 à 1914 en évoquant la peinture bien sûr (fauvisme, cubisme, futurisme) mais également la sculpture (Brancusi) et l'architecture (Wright).

Annonce séance précédente

Les musées sont-ils à vendre ?

2007-01-06T17:33:00.001+01:00

L'information a été relayée ce vendredi sur les antennes de France Infos. Depuis plusieurs semaines, les confrontations par organes de presse interposés, du Monde au Figaro, ont pris la forme d'une polémique montrant l'étendue des clivages idéologiques.

Crédit-photo. Le Louvre. Aubert. Le Figaro.

"Les musées ne sont pas à vendre", c'est sous ce titre lancé en décembre sous forme de cri d'alarme que trois historiens d'art, Françoise Cachin, Directrice honoraire des Musées de France, Jean Clair -Gérard Régnier pour l'Etat civil- écrivain, essayiste, Conservateur Général honoraire, Directeur du musée Picasso de Paris de 1989 à 2005 et Roland Recht, Professeur au Collège de France et ancien Directeur des Musées de Strasbourg, dénoncent la marchandisation des oeuvres d'art par les musées français, le Louvre en particulier, au nom d'objectifs politiques, diplomatiques, mercantiles ou médiatiques, en tous cas étrangers aux exigences scientifiques, à l'éthique culturelle et à la valeur universelle de ce patrimoine.

A leur suite, Didier Rykner avec le site La Tribune de l'Art lance une pétition appelant à préserver l'intégrité des collections des musées français.

Alors que les forums et sites ouverts aux débats continuent d'être alimentés par de nombreuses contributions, les conservateurs et fonctionnaires du Ministère de la Culture sont tenus, eux, au devoir de réserve que leur dictent leurs fonctions.

Reste au citoyen contribuable à se forger une opinion et à s'inviter aux débats. Les éléments disponibles à ce jour sont accessibles à partir des sources et liens suivants, dans le respect des principes du débat contradictoire et de la pluralité des points de vues :

- Les raisons d'un cri d'alarme et la pétition de la Tribune de l'Art,
- L'édition du Monde datée du 12 décembre 2006 (page 25),
- L'éditorial d'André Rouillé sur le site Paris-art.com, le 21 décembre,
- Le Monde du 21 décembre, Nos oeuvres d'art doivent circuler,
- Le Figaro, ce 6 décembre Polémique sur les prêts du Louvre
et Le prince, le conservateur et le public.

A consulter également :

- Le rapport de la commission sur l’économie de l’immatériel du Ministère de l'Économie et des Finances, auteurs Maurice Lévy, Président du Groupe Publicis et Jean-Pierre Jouyet, Chef du service de l’Inspection générale des Finances.
(Voir en particulier la recommandation n° 10, page 123)
- Musées contre pétrodollars, in Journal des Arts du 15 décembre,
- L'édito et la une de Libération du 6 janvier (suite, 1, 2, 3, 4)
- Le billet d'André Gunthert sur le blog de l'EHESS, le 6 janvier,
- La une AFP du site d'Orange, ce 6 janvier : Clônage des musées,
- Le site de France Culture pour l'émission du vendredi 5 janvier,
- L'article Le monde de l'art dénonce les dérives, sur MSN Actualités,
- L'article Le Louvre à Abou Dhabi ? dans l'Express, le 5 janvier,
- Le site de France2 : Musées, une vive critique, le 12 décembre,
- Libération, le 11 novembre, La France impatiente de vendre,

- Les exemples de contributions alimentant les forums :

Les musées français à vendre ?
Les musées français ne sont pas à vendre,
Le "deaccessioning" arrive en France ,
Pour ou contre : des musées à vendre ?
Vendre les tableaux de nos musées ? et suite
Chefs-d'oeuvre nationaux à vendre,
Les musées français au coeur d'une polémique.

La médiation du Comité Français d'Histoire de l'Art est attendue.

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Maj du 7 janvier 2007 :

Le point sur la pétition
et l'éditorial du 7 janvier de Didier Rykner sur la Tribune de l'Art.

Sérignan stupéfie Le Monde

2007-01-05T23:39:00.000+01:00

Sérignan, stupéfiant village culturel, c'est le titre de l'article publié dans Le Monde daté du 15 décembre 2006 sous la plume de Clarisse Fabre et encore accessible en ligne par le lien suivant.

Le Monde revient sur l'ouverture du musée d'arts contemporains de Sérignan (on se souvient qu'il a été inauguré en septembre 2006), un espace de 2500 m2 dans une ville de 7000 habitants, à l'initiative de son maire André Gélis (on se souvient qu'il fut Président du Frac LR). Lire également le billet que lui a consacré le site Evene.

Plus de la moitié des oeuvres du musée proviennent des dons de Pierre Alechinsky, Ben, Christian Bonnefoi, Robert Combas, Dado, Bernard Dufour, Fabrice Hybert, Jean Messagier, Bernard Rancillac, Cheri Samba, Claude Viallat, etc.

Daniel Buren au centre de son oeuvre "Exploded Hut", réalisée pour le musée

Les photographies accompagnant l'article ont été réalisés par Nanda Gonzague du collectif montpelliérain Transit pour Le Monde.

Nouveaux liens disponibles

2006-12-30T12:04:00.000+01:00

En colonne de gauche de la page d'accueil sont désormais accessibles de toutes nouvelles ressources pour des recherches documentaires, des bases iconographiques avec de nombreuses reproductions et commentaires d'oeuvres, des dossiers thématiques pour des préparations ou compléments de cours : la base de données BnF Gallica, Insecula l'encyclopédie des arts, des visites virtuelles encore plus étendues avec un accès aux musées de France, de Paris et d'ile de France, ou de l'ensemble des continents, un éclairage sur le marché de l'art avec les sites la Gazette de l'Hôtel Drouot et Artprice.com, les grandes maisons de ventes aux enchères Christie's, Sothebie's ou Tajan, et pour l'actualité des arts, de nouveaux liens vers les portails Ministère de la Culture, Académie des Beaux-arts, le portail européen des arts publics, l'Officiel des arts, Le monde des arts, ainsi que des magazines en ligne : Artpress, Artension, Axe libre, le Journal Des Arts et l'Oeil, viennent s'ajouter aux déjà présents Paris-art.com et La Tribune de l'art, enfin pour les débats, le magazine Place publique, pour une presse citoyenne.

revoir précédentes insertions de liens

Séance du vendredi 22 décembre 2006 à Lunel

2006-12-20T20:39:00.000+01:00

Pour terminer ce cycle, nous reviendrons sur les nouveautés introduites par Marcel Duchamp :

- l'incursion de l'objet dans l'art avec les ready-made vus la semaine dernière et les interrogations dont ils sont les porteurs.

- une oeuvre réalisée sur ses seules instructions. En 1919, alors qu'il se trouve à Buenos Aires, sa soeur lui annonce son mariage en avril avec le peintre Jean Crotti. Ne pouvant faire le déplacement, Duchamp transmet par courrier ses instructions pour un cadeau de mariage.

« C'était un précis de géométrie qu'il lui fallait attacher avec des ficelles sur le balcon de son appartement de la rue de La Condamine. Le vent devait compulser le livre, choisir lui-même les problèmes, effeuiller les pages et les déchirer. Suzanne en a fait un petit tableau : Readymade malheureux de Marcel. C'est tout ce qu'il en reste puisque le vent l'a déchiré. Ça m'avait amusé d'introduire l'idée d'heureux et de malheureux dans les readymades, et puis la pluie, le vent, les pages qui volent, c'est amusant comme idée...» Marcel Duchamp, Entretiens, p.105. Readymade malheureux.Buenos Aires/Paris, 1919.

- Marcel Duchamp sera par ailleurs l'un des premiers artistes à donner le statut d'oeuvre à ses notes de travail, publiées sous forme de fac-similés.

Dès les années 1910, il réfléchit au projet d'une boîte qui rassemblerait ses notes écrites, schémas et projets, ce qui donnera, La Boîte de 1914, première du genre, fabriquée en 5 exemplaires et rassemblant 16 fac-similés des premières notes concernant le Grand Verre, La Boîte blanche, puis en 1934, La Boîte verte, éditée à 300 exemplaires + 20 de luxe aux Éditions Rrose Sélavy, et contenant l'ensemble de ses notes préparatoires au Grand Verre.

La boîte verte contient 93 documents
(photos et fac-similés de dessins et notes manuscrites des années 1911-15)
ainsi qu'une planche coloriée au pochoir
(9 Moules mâlics)

A partir de 1936, il commence à réaliser de véritables petits musées portatifs contenant des maquettes et des reproductions de ses principales œuvres en modèle réduit, un vaste projet auquel il consacre une attention maniaque, et dans lequel il se fera assister de son ami Joseph Cornell qui collectionnera avec passion toutes les informations sur Marcel Duchamp : notes d'hôtel, billets d'avion, petits manuscrits et autres bouts de papier. Retrouvée en 1972, la collection de notes rassemblée par Cornell pourrait avoir inspiré à Marcel Duchamp sa dernière oeuvre, Étant donnés 1° la chute d'eau 2° le gaz d'éclairage.

Au bout de cinq années de travail, il présente à Paris, le 1er janvier 1941, la première Boîte-en-valise achetée par Peggy Guggenheim. Elle contient 69 reproductions, dont 3 véritables répliques miniatures de ready-mades (Air de Paris, pliant de voyage et Fountain) et un petit Grand Verre sur celluloïd.

Duchamp a lui-même assemblé les 24 premiers exemplaires, ajoutant à chacun un original. Ces exemplaires de luxe sont appelés Boîte-en-valise ou Valise. Les 280 exemplaires suivants seront assemblés par séries successives (7) jusqu'en 1968 et ne sont que des boîtes, même ceux fabriqués en 1952 et 1954 et fournis dans une valise.

La boîte-en-valise, 1936/1968. Paris 1936 - New York 1941
Boîte en carton recouverte de cuir rouge contenant des répliques miniatures d'œuvres,
69 photos, fac-similés ou reproductions de tableaux, collées sur chemise noire.
40,7 x 38,1 x 10,2 cm Boîte déployée pour présentation : 102 x 90 x 39,5 cm
ARS, N.Y. / ADAGP, Paris.

Il nous restera à étudier deux oeuvres énigmatiques devenues mythiques auxquelles Marcel Duchamp consacra plusieurs années et qui inspireront plus tard l'art conceptuel :

- le Grand Verre
ou la mariée mise à nu par ses célibataires, même
New York 1912-1923
© 2001 Succession Marcel Duchamp
ARS, N.Y. / ADAGP, Paris

et son oeuvre posthume majeure :

- Étant donnés, 1) la chute d'eau 2) le gaz d'éclairage.
1946-1966. Philadelphia Museum of Arts.

Ci contre, l'oeuvre telle qu'elle se présente de sa façade extérieure.

voir l'oeuvre
telle qu'elle s'invite à être regardée

Annonce séance précédente

Visite de l'exposition Graveurs du Sud

2006-12-14T01:27:00.000+01:00

23 artistes, la plupart peintres, ici réunis pour leur pratique de la gravure, accueillent le public d'un petit texte accroché dès l'entrée de la galerie de la chapelle de la Salamandre, invitant à les accompagner dans leur voyage à travers un monde où la finesse et la précision du trait se conjuguent avec la subtilité du support papier.

Leur univers, ils, elles le gravent sur le papier. Leur production, ils, elles la font surgir de la rudesse du métal, griffé, dressé, brossé, rayé, arraché, creusé, façonné, tantôt à la pointe, ou au burin, tantôt livré à la morsure de l'acide. Leur monde, ils le conçoivent, en quelque sorte, de l'autre côté du miroir : une fois la plaque gravée et encrée, c'est à l'envers du réel que s'effectue le tirage. Mais seulement après un délicat nettoyage des surplus d'encrage, comme s'il fallait se résoudre à oter, à accepter d'en perdre un peu, pour mieux conserver la trace essentielle ... la perte et le reste ... fragiles mémoires de mondes éphémères.

Puis, comme pour ne plus rien perdre de la substantifique moëlle, c'est sous la presse que les encres restées prisonnières du métal épousent les fibres du papier qui se mue alors en estampe. De l'aspect soyeux d'une richissime gamme de valeurs de gris jusqu'aux contrastes les plus vigoureux, la palette est large pour exprimer un métier d'art paradoxal qui puise ses racines dans l'histoire de l'imprimerie, dans l'illustration et l'édition, dans la pratique artisanale des corporations ... ne dirait-on pas aujourd'hui également dans les métiers du livre, mais des beaux-livres précieux.

A la fois magiciens, sorciers, créateurs, tel les alchimistes à la recherche de la pierre philosophale (dite aussi pierre des sages*), ils se jouent des ombres de leurs plaques de cuivre pour invoquer la lumière sur leurs explorations où se mèlent réel, rêverie, abstraction, lyrisme et poésie. Et lorsque le cuivre ne suffit plus à leurs libres vagabondages, c'est le zinc, le lino, le bois, et parfois le carton qui se voient convoqués pour la tâche, quand ce ne sont pas les feuilles d'argent ou d'or qui s'y trouvent délicatement insérées.

Subtil graphisme des végétaux, douces courbes d'un corps, posture singulière d'un animal, stricte composition géométrique, mystérieux symboles ésotéro-mystiques en libres recherches et créations ou pour les besoins d'illustration de livres d'artistes auxquels certains graveurs participent, aucun motif ou sujet n'échappe à leurs stylets, burins, et autres pointes sèches.

Graveurs du Sud a été créée en 1991 par les peintres et graveurs René et Jeanne Bessière (après avoir eux-même fondé Graveurs du Nord), et Jean-Claude Salmeron, le directeur de la galerie. Nous étions 6 personnes ce vendredi 8 décembre à être accueillis entre autres par Florence Barbéris et René Bessière, à l'exposition Graveurs du Sud dans sa quinzième édition de l'estampe originale contemporaine :

Apprendre à identifier la cuvette (gauffrage) laissée sur le papier par la plaque sous presse lors du tirage, à déceler les points de résine de l'aquatinte ou les barbures laissées dans le métal par l'outil qui le griffe en taille-douce, comparer le contraste et le rendu de différents tirages à partir d'une même plaque ou selon différents supports : Un grand moment passé avec des artistes disponibles, présentant leurs outils, techniques et matériaux, et sachant témoigner généreusement de leur passion avec cette lumière dans le regard qui ne trompe pas, avec cette gestuelle qui accompagne le propos, signe d'un métier empreint de sensualité, où le rapport tactile avec la matière est important, et dont le processus physico-chimique est au service de la libre création dans une pratique artistique à la fois subtile, complexe et porteuse de spiritualité.

A.R.

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GRAVEURS DU SUD, 15ème exposition de l'estampe originale contemporaine est visible du lundi au samedi de 15h à 19h à la galerie de la chapelle de la Salamandre, à Nîmes, place de la Salamandre (derrière Monoprix et Bque populaire), jusqu'au 22 décembre 2006.

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Avec les œuvres de :
Florence Barbéris, Joan Beall, Jeanne Bessière, René Bessière, Laurence Briat, André Corsi, Rika Deryckere, Elisabeth Gérony, Christian Henry, Dominique Héraud, Liliane Jakobiak, Elisabeth Keh, Mireille Laborie, Jean-Charles Legros, David Maes, Laurent Nicolaï, Guy Pontier, Martine Rastello, Judith Rothchild, Hélène Vasseur, Sophie Vigneau, Jean-Michel Vincent, Gabrielle Wagner.

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* La Pierre Philosophale ou pierre des sages était le but supérieur de l'alchimie. Certes, était-il question de changer le plomb en or, ou de prolonger indéfiniment la vie et la jeunesse, mais sa recherche était-elle surtout motivée par une véritable quête spirituelle. Le but ne comptait pas tant que le chemin pour y parvenir, regardé comme une réflexion en profondeur et comme une tentative d'aboutir, après un long et patient travail personnel, à la pleine purification tant de la matière que du chercheur lui-même.

Presque tout sur la gravure

2006-12-14T01:04:00.000+01:00

Afin d'éclairer les interrogations suscitées par la visite de l'expo Graveurs du Sud et la technique ainsi que les procédés physico-chimiques liés à la gravure jusqu'à la réalisation de l'estampe, chacun pourra trouver ici différentes définitions permettant de fixer quelques repères.

Principales sources documentaires : Wikipedia, encyclopedia universalis, dictionnaire d'esthétique, et articles de revues spécialisées.

La gravure : Au sens absolu du mot, la gravure est l'art de tracer par incision, à la surface d'une matière quelconque, des caractères, des ornements ou des figures. L'homme des cavernes nous a ainsi transmis la silhouette des animaux sur l'os et la pierre. C'est par la gravure que l'Antiquité et le Moyen-Age ont produit les cylindres, les intailles, les sceaux, les plaques tombales, les émaux champlevés, les matrices à gaufrer le cuir ou le velours, et aussi les planches destinées à l'impression des étoffes décorées. C'est également la gravure qui permet l'impression des timbres-poste.

Ainsi la gravure a-t-elle une double fin : elle peut être ou bien un procédé de décoration, ou bien un moyen de tirer par impression plusieurs copies de la chose gravée, et singulièrement des copies sur papier.

Le terme de gravure s'applique à la fois à l'art de graver et aux productions de cet art : on dit d'un artiste qu'il pratique la gravure et d'un amateur qu'il recherche telle ou telle gravure, ou encore telle épreuve d'une gravure déterminée.

Les techniques fondamentales sont au nombre de trois : la gravure sur bois et la gravure sur métal, connues de longue date pour divers usages, avant d'être employées à la reproduction des images et la lithographie, inventée à l'extrême fin du XVIII e siècle.

La gravure sur métal : La gravure sur métal est essentiellement une gravure en creux, on la nomme en général taille douce (Fine gravure faite au trait avec le burin du graveur). Elle regroupe plusieurs techniques et deux procédés sont employés : le burin et l'eau-forte. La confection de gravures exige une grande habilité manuelle.

Le burin : Le graveur se sert d'une planche de métal, généralement du cuivre, de faible épaisseur, parfaitement polie, et d'un instrument, le burin, solide tige d'acier de section carrée ou losangée, biseautée, emmanchée à une petite poire de buis. Il attaque la planche en formant un angle variable, et tout en creusant, soulève un copeau : les sillons seront bordés de petites barbes de métal qui seront supprimées avec un ébarboir. C'est le dessin lui même qui sera gravé: chaque sillon équivalent à chaque trait du dessin.

L'eau-forte : Dans les techniques classiques de l'eau-forte, ce n'est plus la main qui gravera par l'intermédiaire d'un outil, mais l'acide. La plaque est recouverte d'un vernis, le graveur dessine sur ce vernis avec une pointe, faisant apparaître le métal où la pointe court sur le vernis. Ainsi dénudée de son vernis, la planche est plongée dans un bain d'acide dilué. Cet acide mort les parties non protégées du vernis, et creuse ainsi la plaque de métal, comme le faisait le burin. La morsure, c'est-à-dire le creux, jugée suffisante, la plaque est rincée, dévernie et prêtre au tirage.

L'aquatinte : C'est le même processus que l'eau-forte, avant de plonger la planche dans l'acide, on recouvre certaines surface de poussière ou de grains de résine. La planche est chauffée, et la résine adhère solidement au métal. C'est en quelque sorte un vernis, mais un vernis troué d'une multitude d'espaces. L'acide mord aux endroits où il n'y a pas de points de résine, et creuse tout un ensemble de petits trous. Par morsures successives le graveur peut donner optiquement une teinte régulière.

La pointe-sèche : La pointe-sèche est la manière la plus simple de graver sur le métal, mais pas nécessairement la plus facile. Il suffit d'une plaque polie et d'une pointe. Le graveur dessine sur cette plaque en rayant la surface. Avec plus ou moins de vigueur, le métal sera plus ou moins arraché, donc aussi creusé, mais chaque trait sera entouré de barbes en plusieurs épaisseurs. Cette dernière caractéristique donnant aux pointes-sèches un aspect très particulier d'enveloppement de la ligne. La différence essentielle avec, par exemple, le burin, est que ce qu'il y a en surface est au moins aussi important que le creux. L'encre, au tirage, accrochant les barbes, le résultat sera noir velouté et profond, très caractéristique.

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La lithographie est quelque peu différente. Découverte à la fin du XVIIIe siècle, elle nécessite, comme pour la gravure, de la patience et un savoir-faire de dessinateur. L'artiste dessine sur une pierre calcaire préalablement grainée afin d'obtenir une surface lisse (grain fin et homogène polie). Le motif, texte ou image est reproduit sur la pierre avec un crayon gras ou une plume imprégnée d'encre grasse. Le dessin terminé, les graisses sont fixées sur la pierre à l'aide d'un mélange de gomme arabique et d'acide nitrique. Une fois lavée à l’eau, la pierre est encrée au moyen d’un rouleau : seules les parties grasses retiennent l’encre (encre grasse dite " noir à monter "). La feuille de papier est alors posée sur la pierre encrée et fortement pressée.

La presse spécialisée est dite presse à râteau. On reconnaît cette technique au léger grain, grain de pierre, qui est perceptible dans la surface-couleur ou dans le trait (sur le papier). Si l'impression donnée est celle d'un dessin (au crayon ou à la plume) avec la même liberté ou absence de contrainte, il est vraisemblable que nous ayons affaire à une lithographie.

Bien qu'elle fut sous-estimée et utilisée, à la fin du XVIIIe siècle, comme un jeu de salon ou un moyen de reproduction industriel, fonction qu'elle conservera d'ailleurs pendant tout le XIX e siècle, de nombreux artistes s'adonneront à la lithographie.

C'est ainsi que Toulouse-Lautrec va parvenir à dépasser le caractère spécieux de l'art de son temps et, tout en pratiquant le dessin d'illustration, d'affiche, de menus et de programmes, faire de la lithographie en couleurs un art propre à exprimer très synthétiquement et dramatiquement la vie quotidienne. A cette époque, au-delà des illustrations faciles, elle permit à nombre d'artistes de la génération postimpressionniste de trouver un style à la fois intime et riche.

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Histo : La lithographie, procédé plus moderne que la gravure, a été inventée à la fin du XVIIIè siècle par A. Senefelder. Auteur dramatique sans succès, il cherche à imprimer sa musique de façon plus typique et plus économique que le travail sur cuivre. Il utilise la pierre de Münich qui lui permet d'expérimenter une technique à plat qui ne tient ni au creux ni aux relief, Il découvre à la suite d'un hasard le procédé de la lithographie. "Litho" vient du grec et signifie pierre.

La lithographie est un procédé d'impression sur pierre ou sur plaque de zinc grainée au préalable et plus malléable. Ce principe repose sur une préparation chimique du support sur lequel l'artiste a dessiné à l'aide d'une encre ou d'un crayon lithographique. La préparation chimique permet à l'encre de ne rester déposée que sur la partie dessinée de la pierre et du zinc, l'autre partie la refusant. Le principe est donc fondé sur l'incompatibilité d'un corps gras et d'un corps acide.

Les artistes se sont rapidement emparés de cette technique qui au début est partie du noir au chatoiements multiples (Daumier...) pour s'ouvrir rapidement sur les couleurs (Toulouse Lautrec, les Impressionnistes, Chagall, Picasso). Une lithographie en couleurs nécessite autant de pierres (ou de zinc) qu'il y a de couleurs dans la composition: 13 couleurs signifient donc 13 passages sous presse d'une même lithographie, chaque couleur prend sa place sur l'estampe suivant des points de repère très précis (les superpositions de tons permettent d'élargir la palette et ses nuances). Les tons spécialement conçus (transparences, opacités ...) supposent une grande connaissance de ces lois et un sens de la décomposition technique de la part de l'artiste se référant à une démarche graphique propre.

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L’estampe désigne l'image imprimée après avoir été gravée sur métal, bois, pierre lithographique, linoléum, épreuve de gravure sur cuivre et, par extension, sur bois et sur pierre lithographique. Une estampe est une image imprimée sur papier au moyen d'une planche préalablement gravée. Le matériau employé peut être le cuivre, le bois ou la pierre, cette dernière exclusivement pour la lithographie.

On tire des épreuves de ces planches, après encrage, généralement sur une presse à bras. "L'estampe originale est une œuvre d'art à part entière, pouvant exister en plusieurs exemplaires, elle est un moyen d'expression plastique volontairement choisie par l'artiste, au même titre que la peinture, le dessin, la photographie ou la sculpture. L'auteur crée une matrice, sur le support de son choix, avec la ou les techniques appropriées à son mode d'expression, L'estampe originale est généralement signée et numérotée, à la différence de l'estampe ancienne ou de bibliophilie qui sont elles aussi des estampes originales. Les estampes qui n'ont pas été réalisées par l'auteur de la signature ou sous sa supervision constante, doivent être signalées clairement comme estampe d'interprétation." Lignes extraites de la définition de la chambre syndicale de l'estampe (Canada).

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Toutes les images que l'on peut voir ici ou là, posters, reproductions, etc... sont elles des estampes ? Évidemment non. Seules on droit au nom d'estampes les images répondant à la définition précédente. Les images tirées par exemple en offset, ou les image industrielles et surmultipliées n'entrent pas dans cette catégorie. Estampe originale ou d'interprétation. Quelle est la différence ? Une estampe originale est l'œuvre d'un seul et même artiste qui transpose et grave sur la planche sa propre création. Mais si tous les peintres ne sont pas forcément des graveurs, leurs œuvres peuvent néanmoins être diffusées par le biais de l'estampe grâce à d'autres artistes qui les interprètent ou les transposent sur le bois, le cuivre ou la pierre. Ces derniers font alors œuvre d'interprétation. Quels sont les outils utilisés ? Le burin, la pointe, la roulette, le crayon lithographique, etc.. pour ne citer que les principaux.

Peut-on tirer un grand nombre d'exemplaires ? Généralement non. La pression exercée par la presse lors du tirage finit par émousser les tailles (en creux ou en relief) de la planche gravée. Au bout d'un certain nombre de tirages les épreuves perdent considérablement en qualité, elles deviennent fades et ternes. Cela dit, au XIXe siècle, des techniques d'aciérage et d'électrolyse ont été mises au point pour permettre de rendre la planche plus résistante et donc permettre un tirage plus important. Mais combien d'exemplaires exactement ? On peut situer un tirage courant entre 50 et 350 exemplaires.

Toutes les estampes doivent-elles être signées et numérotées par l'artiste ? Ceci est une notion moderne. Les estampes commencent à être signées et numérotées au crayon (ou à la plume), par les artistes, depuis le troisième quart du 19e siècle et/ou début du 20e. Cette pratique s'est peu à peu généralisée. Elle est désormais de règle. Les estampes anciennes antérieures à cette époque ne sont en aucun cas ni signées, ni numérotées. Toutefois s'agissant d'épreuves particulières (d'artiste, d'essai ou d'atelier) des mentions manuscrites telles que dédicaces, mentions de tirage, etc.. restent possibles.

Les estampes doivent-elles avoir des marges ? Oui, en général. La marge permet la respiration d'une épreuve, elle met en valeur l'image proprement dite. Toutefois, au fil du temps, les marges de certaines épreuves ont pu être diminuées, coupées, etc... Aujourd'hui, s'agissant d'estampes anciennes des 16e, 17e siècles et certaines du 18e, le collectionneur est moins exigeant et peut se satisfaire d'épreuves dont la marge serait réduite à un filet. Sauf épreuves exceptionnelles il est rare de rencontrer des épreuves de Durer, Rembrandt, Callot, etc. avec de grandes marges, la plupart du temps n'en subsiste qu'un filet d'un demi à deux et demi centimètres. En revanche pour les pièces du 19e siècle, et à fortiori pour celles du 20e siècle, il est souhaitable que les marges soient telles qu'elles étaient à l'impression. Un estampe coupée à l'intérieur de la composition ou à sa limite n'a plus, dans la majorité des cas, qu'une valeur documentaire.

Les estampes doivent-elles être en bon état de conservation ? Oui. C'est souhaitable. La conservation, la fraîcheur d'une épreuve jouent considérablement sur son prix. Une pièce froissée, déchirée, tachée n'a plus guère d'intérêt, sauf si l'on peut envisager une restauration qui, dans bien des cas, pourra s'avérer coûteuse.

Les estampes sont-elles chères ? Le prix d'une estampe, comme pour une œuvre d'art en général, va dépendre de la notoriété de l'artiste, du sujet, du format, de l'état de conservation mais également, et ceci est propre aux estampes, de l'état de tirage. Comme toujours, la loi de l'offre et de la demande régule le marché. Ainsi des gravures d'artistes dont la notoriété n'a pas dépassé le cadre régional peuvent s'acquérir pour à peine quelques centaines de francs. De petites estampes, souvent extraites de livres de voyage, de dictionnaires de botanique, etc... peuvent se trouver entre 2 et 500 frs. En revanche, les prix seront beaucoup plus conséquents pour les artistes qui, à leur manière, ont marqué l'histoire de l'estampe ou ont fait partie d'écoles, de mouvements importants. De 10 000 à 50 000 frs pour une estampe originale de Durer ou de Rembrandt, plus encore s'il s'agit d'une pièce de référence. De 50 à 100 000 frs pour un Picasso - pour ne prendre que deux extrêmes dans le temps ! Des annuaires de cotes disponibles dans toutes les grandes bibliothèques Les épreuves d'état sont, en quelque sorte, les mémoires des différents stades de l'élaboration d'un travail de gravure. Lors de l'exécution d'une planche, de modification en modification, au cours des morsures successives, à tous moments, l'artiste peut tirer une ou plusieurs épreuves de sa planche pour en apprécier le rendu. Ce sont ces épreuves intermédiaires, avant le tirage définitif, qu'on appelle épreuves d'état. Il va sans dire que, n'étant tirées qu'à petit nombre, ces épreuves sont beaucoup plus rares que celles du tirage final. Elles sont aussi les premiers jets de la création et ont, à ce titre, la faveur des collectionneurs qui s'attachent à les rechercher. Ces épreuves d'état sont synonymes de ce qu'on appelle plus communément épreuves d'essai ou d'atelier. Les catalogues des ventes publiques et des marchands d'estampes sont des outils indispensables pour cerner la cote d'un artiste.

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Le papier peut être classé en deux catégories :

Les papiers vergé anciens fabriqués à la forme à partir de fibres végétales (lin, chanvre...), de fibres textiles (chiffons...). Leur principale caractéristique est une trame irrégulière de lignes croisées (appelées vergeures et pontuseaux). Cette trame, due aux fils de laiton tendus sur la forme où sèche la pâte à papier, se lit aisément en transparence. Pour globaliser et faciliter le classement on dira que ce type de papier a été utilisé des origines de la gravure (milieu du XVe siècle) jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, quand apparaissent les premiers papiers modernes.

Les papiers modernes, ou mécaniques, fabriqués à partir de le pâte à bois. Parmi eux on citera le vélin dont la caractéristique principale est qu'il est régulier et relativement lisse et le vergé moderne dont la trame (lignes croisées visibles en transparence) s'apparente à celle des vergés anciens, à ceci près qu'elle est régulière et très nette.

Le filigrane est la marque de fabrique des moulins à papier, et plus tard des grands papetiers de l'ère moderne. Il se lit en transparence, et il est souvent un moyen précieux de datation et d'identification.

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La couleur : l'expression "graver en couleurs" est impropre. On ne grave pas en couleurs, mais on imprime en couleurs. Pour reprendre les choses dans l'ordre où elles apparaissent on doit préalablement aborder le coloris manuel ou coloriage, aussi appelé "enluminure". Aux 15, 16, 17 et 18ème siècles, les épreuves pouvaient être coloriées manuellement chez l'éditeur marchand. On employait de l'aquarelle ou de la gouache et chaque épreuve (une à une) était ainsi rehaussée. L'impression en couleurs apparaitra plus tardivement. Exception faite des bois en camaïeux (en principe de vert ou de brun) déjà connus au début du XVIe siècle, l'impression couleurs n'apparaît que vers le 3e tiers du XVIIIe siècle.

C'est grâce à la mise au point du repérage successif des planches (une planche par couleur) qu'on obtiendra définitivement la couleur. On imagine les difficultés d'une telle technique nécessitant qu'une même épreuve passe et repasse sous la presse autant de fois que nécessaire jusqu'à l'obtention, par le jeu des superpositions, de la couleur souhaitée. De telles estampes sont encore aujourd'hui très recherchées.

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En savoir plus sur l'histoire et les techniques de la gravure : le musée des Beaux-Arts Jenisch de Vevey en Suisse a réalisé une exposition en 2004.

L'association Estampes a, en cette occasion, créé un site spécialisé :

Estampes.ch

Présentation didactique des techniques de l’estampe et de la gravure illustrée par des oeuvres de grands artistes du XVe au XXIe siècle.

A consulter également, les trois expositions présentées à Paris sur le travail de dessinateur et de graveur de Rembrandt :

- Rembrandt, dessinateur. Expo au Louvre.
- Rembrandt, graveur. Expo à la BNF.
- Rembrandt, Eaux-fortes au Petit Palais.

Les quatre saisons de l'art

2006-12-13T06:56:00.000+01:00

Vers précédente information locale

La galerie HD Nick présente le volet Hiver de la manifestation les quatre saisons de l'art à Aubais. Ce samedi 9 décembre avait lieu le vernissage avec buffet nocturne.

Originalité de la présentation, outre les artistes exposés, il était possible de feuilleter le book papiers d'autres artistes de la galerie présentés en dialogue avec l’exposition principale.

A découvrir dans la deuxième salle, l'étonnant travail sur le volume dans une sculpture des vides et des pleins à partir de troncs d'arbres de Tieri Lancereau-Monthubert, mais aussi à l'étage de la galerie, l'exposition contrastée des oeuvres de Xavier Carrère, tout en transparence et opacité dans des pièces opposant le minéral et une pate de verre des plus transparente et pure.

Pour ne rien en manquer :

Exposition De Natura I, du 9 décembre 2006 au 21 janvier 2007, ouverture tous les jours de 14h à 19h, avec 5 artistes :

Pierre Bendine-Boucar, Brigitte Bultez-Brun, Xavier Carrère, Tieri Lancereau-Monthubert, Mireille Laborie.

et les papiers de :

Véronique Agostini, Anna Baranek, Florence Barberis, Astrig Boissier, Julien Bouissou, Claude Foênet, Jean-Pierre Guiraud, Nicole Lantier, Riccardo Licata, Annie Mahé-Gibert, Christophe Meyer, Sylvie Deparis

Galerie HD Nick à Aubais, fléché dès l'entrée dans le village, arrivée par Sommières ou Villetelle.

Marseille en mars

2006-12-12T18:42:00.000+01:00

La prochaine sortie prévue à ce jour nous emmènera à Marseille le samedi 10 mars 2007, dans le cadre de la journée familiale organisée par la MJC de Lunel.

Nous en profiterons pour visiter le Musée d'Art Contemporain.

Entrée à tarif réduit de groupe. Participation aux frais de transport en autocar. Inscription préalable auprès du secrétariat de la MJC de Lunel.

Précédente proposition de sortie.

Gag no gag, performances d'artistes

2006-12-07T07:14:00.000+01:00

Dans le cadre de l'évènement Gag no gag,

samedi 16 décembre 2006
à Montpellier

à 17 heures, Comédie, esplanade

sur une ligne invisible, dans leur mètre carré de liberté, des artistes, des anti-artistes, des ni-l'un-ni-l'autre réalisent l'action-performance de leur choix.

à 19 heures, Centre Rabelais

Conférence - performance Gag no gag. Seront évoqués, le mouvement Fluxus, l'art conceptuel, l'Académie des Arts Autres. Performances, divertissements, films inédits et documents.

Entrée libre, plus d'infos sur le site smartdays.

Séance du vendredi 15 décembre 2006 à Lunel

2006-12-05T20:20:00.000+01:00

Compte tenu de la sortie pour visite d'exposition du vendredi 8 décembre à Nîmes, notre prochaine séance est fixée au vendredi 15 décembre à Lunel. Nous poursuivrons notre parcours à travers l'oeuvre de Marcel Duchamp et achèverons l'étude de sa production singulière et inclassable dans laquelle apparaissent de nombreux thèmes récurrents.

(détail) Disques avec spirales,1923, encre et crayon,108,2 x 108,2 cm, Seattle, Art Museum.

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- Cylindre sexe (guêpe), 1934, crayon sur papier, 31 x 27 cm, Milan collection Arturo Schwarz,

- Etant donnés, 1948-49, cuir peint sur relief en plâtre, 50 x 31 cm, Stockolm, Moderna Museet,
- Autoportrait de profil, 1958, papier de couleur déchiré sur fd noir, 14,3 x 12,5 cm, Paris, coll. J.J. Lebel,
- Quatre ready-mades, 1964, lithographie, 32 x23,2 cm, Milan collection Arturo Schwarz
- L.H.O.O.Q. rasée, 1965, carte à jouer, 8,8 x 6,2 cm, montée sur papier 21 x 13,8 cm, New York, MOMA,
- Le Bec Auer, 1968, gravure sur papier fait à la main, 50,5 x 32,5 cm, Milan coll. Arturo Schwarz.

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Puis nous verrons les ready-made qu'il présente à partir de 1913, et surtout comment il s'en explique. Enfin, nous pourrons terminer avec les grandes réalisations complexes comme Le Grand Verre ou Étant donnés.

Fontaine. R. Mutt. 1917/1964

Porte bouteille. 1914/1964
Porte-bouteilles en fer galvanisé, 64,2 x 42 cm
Centre Pompidou-Musée national d’art moderne
© 2001 Succession Marcel Duchamp
ARS, N.Y. / ADAGP, Paris

Pelle à neige. En prévision du bras cassé. 1915
Bois et acier galvanisé, 121,3 cm.
Yale Center for British Art, New Haven, CT, USA.

En 1917, Duchamp présente Fountain - un urinoir en faïence blanche recouverte de glaçure céramique et de peinture (la signature peinte) - au Salon des indépendants de New York. Afin de garder son anonymat, il le signe du nom de R. Mutt, en référence au nom d'un fabriquant Richard Mutt (mais nous verrons les autres développements auxquels cela a pu donner lieu). Fountain a été désignée, l'œuvre la plus influente du 20e siècle par des artistes, galeristes, critiques et par des conservateurs de musée londoniens en 2004. Dimensions : 63 X 48 X 35 cm. La version originale présentée à New York en 1917 est aujourd'hui introuvable. Quelques répliques ont été réalisées sous la direction de Duchamp en 1964. L'une de ces copies a été acquise en 1986 par l'État français pour la collection du Centre Georges-Pompidou.

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Vernissage samedi 9 déc. à 16 heures à Aubais

2006-12-05T09:26:00.000+01:00

Cet hiver, l'exposition "Les Quatre Saisons de l'Art" se déroule entièrement dans la Galerie HD NIck. Pour celles et ceux qui le souhaitent, nous pouvons nous retrouver à la galerie HD Nick, le samedi 9 décembre à 16 heures à Aubais, pour le vernissage de l'exposition.

Tieri Lancereau-Monthubert

Extrait du texte de l'expo : De Natura, ce sont des regards croisés sur la nature des choses et des êtres. Titre emprunté au poême philosophique de Lucrèce (de natura rerum), ces expositions se placent "naturellement" aux sources mêmes de l'art et de la vie sans cesse renouvelés.

"Les Artistes Nomades" et Galerie HD NICK
Communiqué du 24 novembre 2006

Vernissage le Samedi 9 Décembre à partir de 16h en présence des artistes avec Pierre Bendine-Boucar, Tieri Lancereau-Monthubert, Mireille Laborie, Brigitte Bultez-Brun, Xavier Carrère + "papiers" d'autres artistes présentés en dialogue avec l'exposition principale : Véronique Agostini, Anna Baranek, Florence Barberis, Astrig Boissier, Julien Bouissou, Sylvie Deparis, Claude Foênet, Jean-Pierre Guiraud, Nicole Lantier, Annie Mahé-Gibert.

Buffet nocturne.

De Natura I. Nature et contrepoints du 9 décembre 2006 au 21 janvier 2007. En savoir plus sur le site www.hdnick.com : Vous trouverez des images et des renseignements sur chacun des artistes présentés ainsi que la mise à jour permanente des rubriques Hors Galerie, Calendriers et Artistes.

Sortie du 8 décembre à Nîmes

2006-12-04T06:57:00.000+01:00

Le rendez-vous est fixé :

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ce vendredi 8 décembre 2006
à la MJC de Lunel à 17 h 30
(regroupement et covoiturage)
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Florence Barberis

pour nous rendre à Nîmes et y voir l'exposition Graveurs du Sud à la galerie de la Salamandre (eaux-fortes, aquatinte, pointe sèche, taille-douce, burin, manière noire, linogravure, monotype, etc.) présentant les travaux de 23 graveurs dont Florence Barberis, graveur et peintre.

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Précédente proposition de sortie

Retour sur la séance du 1er décembre

2006-12-04T02:53:00.000+01:00

Initié à l'art par ses deux frères ainés qu'il rejoindra à Paris, Marcel Duchamp y fréquente les milieux artistiques (Fernand Léger, Constantin Brancusi, Francis Picabia). Il connait une période d'inspiration cubiste, mais c'est surtout à la décomposition du mouvement qu'il s'attache comme dans Jeune homme triste dans un train vu la semaine dernière et Nu descendant un escalier.

Nu descendant un escalier, n° 2, 1912,
huile sur toile, 146 x 89 cm,
Philadelphia Museum of Arts

Ses recherches sont alors directement inspirées de la technique de la chronophotographie développée en France par Etienne Jules Marey ou aux Etats-Unis par le photographe d'origine anglaise Edward Muybridge et rapprochent ses compositions des futuristes italiens.

En 1912, le Nu descendant un escalier, jugé trop futuriste est refusé au salon des indépendants par ses amis cubistes. L'année suivante, il est exposé à l'Armory show à New York et contribue à faire reconnaitre Marcel Duchamp comme le représentant de l'avant-garde artistique française.

A partir de 1913, il crée ses premiers ready-made qu'il développera ensuite à New York où il s'installe en 1915. Il s'y liera d'amitié avec le photographe Man Ray, avec qui il créera une société destinée à diffuser l'art contemporain de son époque (de Picasso à Brancusi). Partageant son temps entre Paris et New York, il fréquentera les milieux dada, puis les surréalistes (André Breton) réfugiés à New York en 1942.

Nous avons poursuivi avec des oeuvres de 1911 à 1922, dans lesquelles nous voyons apparaitre des thèmes récurrents qui serviront plus tard dans ses grandes compositions auxquelles il se consacrera plusieurs années durant.

Neuf moules malic, 1914-15,
huile, fil à plomb, feuille de plomb, verre, 66 x 101,2 cm,
Milan coll. Arturo Schwarz,

Autres oeuvres vues :

- Yvonne et Magdeleine déchiquetées, 1911, huile sur toile, 60 x 73 cm, Philad. Mus. of Arts,
- Moulin à café, 1911, huile sur carton, 33 x 12 cm, Rio de Janeiro, coll. Mme Robin Jones,
- Le roi et la reine entourés de nus vites, 1912, huile sur toile, 114,5 x 128,5 cm,
Philadelphia Museum of Arts,
- Mariée, 1912, huile sur toile, 89,5 x 55,25 cm, Philadelphia Museum of Arts,
- Le roi et la reine traversés par des nus vites, 1912, crayon sur papier, 27,3 x 39 cm,
Philadelphia Museum of Arts,
- L.H.O.O.Q., 1919, crayon sur repro Joconde, 19,7 x 12,4 cm, Philadelphia Museum of Arts,
- Vous pour moi ? 1922, étiquettes de valise imprimées pour Rrose Sélavy, 6 x 12 cm,
Yale University,

La mariée mise à nu par les célibataires, 1912,
crayons et lavis sur papier,
23,8 x 32,1 cm, Paris, Centre Pompidou,

Broyeuse de chocolat, n° 2,
1914, huile et fils sur toile,
65 x 54 cm, Philadelphia Museum of Arts

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